21 diciembre 2013

Paco de Lucía


El 21 de diciembre de 1947 nació en Algeciras (Cádiz) el compositor y guitarrista español Paco de Lucía. Internacionalmente reconocido como uno de los grandes virtuosos de la guitarra de todos los tiempos, especialmente del flamenco moderno, hizo su primera aparición pública en 1959 en Radio Algeciras.

Tanto su madre, Lucía Gomes 'La Portuguesa', como su padre, Antonio Sánchez, influyeron mucho en su vocación. De su padre y de su hermano Ramón recibió las primeras clases de guitarra. El nombre 'De Lucía' quedó ligado a él durante su niñez, ya que, como él mismo contaba, en su barrio había muchos Pepes, Pacos, etc., y entonces se les identificaba por el nombre de la madre, por lo que él era conocido como 'Paco, el de Lucía' en su barrio de Algeciras. Más tarde ganaría un certamen de flamenco en Jerez y tocó en el grupo que acompañaba al bailaor José Greco. En 1964 conoce al guitarrista Ricardo Mondrego con el que graba tres discos.

Camarón y Paco de Lucía
A finales de los años 60, conoce a Camarón de la Isla, con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos. Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron diez discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado, fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazz

Paco, Al Di Meola y John McLaughlin
Conocidas son sus colaboraciones con otros músicos como Al Di Meola, John McLaughlin, Larry Coryell, o Bryan Adams, en cuyo hit y video 'Have you ever really loved a woman' (1995) aparece Paco a la guitarra. Además de un sinfin de premios recibidos a lo largo de su carrera fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz en marzo del 2007, y por el Berklee College of Music de la Universidad de Boston, en 2010.


La mejor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque.

Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista. Entre ellas, 'Entre dos aguas' (rumba), 'La Barosa' (alegrías), 'Barrio la Viña', 'Homenaje al niño Ricardo' (soleá), 'Almoraima' (bulerías), 'Guajiras de Lucía' y 'Río Ancho' (rumba). Entre sus álbumes destacan, además de los que grabó con Camarón y los guitarristas jazz citados antes, 'Sólo quiero caminar' (1981) y 'Zyrab' (1990) con Carles Benavent y Jorge Pardo, y 'Siroco' (1987).

Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años 70, de manos de Carlos 'Caitro' Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y de otras corrientes musicales internacionales.

Su último álbum de estudio fue 'Cositas Buenas' (2004), que contenía cuatro bulerías, dos rumbas, un tango y un tiento. Le acompañaban, entre otros, Tomatito y Enrique Heredia 'El Negri' a la guitarra, La Tana al cante y el Piraña a la percusión. En 2011 se publicó 'En Vivo' que recogía un resumen de sus conciertos por España en 2010. Murió de un infarto el 25 de febrero de 2014 mientras se encontraba jugando con sus nietos en una playa de Cancún (México).

04 diciembre 2013

Jim Hall


El 4 de diciembre de 1930 nació en Buffalo (New York) el guitarrista de jazz Jim Hall. La contribución de Jim Hall para el desarrollo de la guitarra en el jazz no es comparable con ningún otro guitarrista. Hasta la aparición del bebop, la guitarra era exclusivamente un instrumento de ritmo. Hall la elevó al rango de instrumento melódico y la hizo cantar.

Hall comenzó en la música desde muy joven. Su tío Ed, lo animó a estudiar la guitarra y le hizo conocer a los grandes del jazz de su época: Charlie Christian, Art Tatum y Jimmy Lunceford. A los dieciséis años se trasladó con su familia a Cleveland, (Ohio), donde completó sus estudios formales en el Cleveland Institute of Music. Sus primeros pasos en el jazz profesional fueron en el quinteto del batería Chico Hamilton, en el que estuvo entre 1955 y 1956. Su tono característico con la guitarra comenzó a destacar en el trio de Jimmy Giuffre (1956-59) y en los años sesenta realizó grabaciones memorables con Gerry Mulligan ('Nightlights') y Sonny Rollins, cuyo 'The Bridge', fue un hito del nuevo estilo 'avant garde', surgido a finales de la década.

Jim con Bill Evans
A principios de los años sesenta, Jim Hall formaba parte de la banda de acompañamiento de Ella Fitzgerald. Asimismo trabajo esos años con Lee Konitz y Bill Evans, con el que grabó dos excelentes álbumes en formato de dúo, 'Undercurrent' (1962) e 'Intermodulation' (1966).
En 1972 colaboró en 'Skies of America' de Ornette Coleman, uno de los primeros experimentos del saxofonista en componer e interpretar música de la llamada 'tercera corriente', que pretendía ofrecer una vía de desarrollo al jazz desde la influencia de la música clásica.

Concierto (1975)
Interesado cada vez más en composiciones orquestales complejas, Hall grabó una de sus mejores y más conocidas obras: 'Concierto' (1975) con Paul Desmond, Chet Baker, Roland Hanna, Ron Carter y Steve Gadd, en el que incluye una versión del 'Concierto de Aranjuez' de Joaquín Rodrigo. Grabó con pianistas como Michel Petrucciani y Enrico Pieranunzi. También tocó con Pat Metheny, con quien hizo un dúo en 1999, Bill Frisell o el brasileño Óscar Castro-Neves.

Otro de sus dúos más reconocidos, que se repitió en varios discos, como 'Alone Together' (1972) y 'Telephone' (1985), fue con el contrabajista Ron Carter. El reconocimiento oficial como compositor le llegó en 1997, cuando el Círculo de Críticos de Jazz de Nueva York le entregó el premio al mejor compositor y arreglista de jazz del año. Sus obras para conjuntos de cuerda, viento y grupos vocales pueden oirse en sus grabaciones 'Textures' (1996) y 'By Arrangement' (1998).

Hall en 2010
Un hecho decisivo en su vida, fue también su incorporación a la enseñanza musical en la New School de Nueva York. Entre sus alumnos se destacan el guitarrista Peter Bernstein, el pianista y organista Larry Goldings y el saxo tenor Rasmus Lee. En 2001 publicó 'Jim Hall & Basses', en el que en formato de dúo o trío demostró con diferentes bajistas, ser capaz con más de 70 años, de crear un sonido joven y dinámico.
Murió el 10 de diciembre de 2013 a los 83 años.

18 noviembre 2013

LP 'Achtung Baby'


El 18 de noviembre de 1991 se publicó 'Achtung Baby', el séptimo álbum de la banda rock irlandesa U2. Producido por Daniel Lanois y Brian Eno es uno de sus trabajos de mayor éxito. Las críticas, tras el varapalo sufrido en su anterior entrega, 'Rattle and Hum' fueron en este caso favorables y el álbum debutó en el nº1 del Billboard 200 Top Albums y copó las listas de muchos otros países. Los cinco singles que se extrajeron fueron hits y, además de vender hasta la fecha más de 18 millones de copias, obtuvo un Grammy en 1993. Citado en numerosas listas de los mejores álbumes rock de la historia, en octubre de 2011 fue reeditado para conmemorar el 20 aniversario de su publicación.

Tras el increíble éxito comercial de 'The Joshua Tree' y las consiguientes críticas negativas que recibieron por 'Rattle and Hum', los componentes de U2 se encontraban al borde de la ruptura. Bono aseguraba que debían "volver a soñar el sueño" y decidieron volver a sus raíces de rock alternativo para su primer trabajo de la década de los 90.

Mientras en sus álbumes anteriores se habían dedicado a explorar la música de raíces americanas, con el nuevo trabajo, 'Achtung Baby', cuyo nombre procedía de una frase en el film 'Los productores' de Mel Brooks, iban a tomar caminos diferentes. "Queríamos una localización y un sonido más europeos" comentaba el bajista Adam Clayton en una entrevista, por lo que decidieron grabar gran parte del disco en Berlin, donde Bowie había trabajado con Brian Eno a mediados de los años setenta. Y, así como Bowie emergió de Berlín con un sonido más orientado hacia lo electrónico, así les ocurrió a los irlandeses. En el tema que abre el álbum, por ejemplo, 'Zoo Station', la voz de Bono está distorsionada hasta tal punto que es difícilmente reconocible.

Algunos seguidores de U2 ya habían intuido el cambio de sonido con la versión de 'Night and day' que grabaron para contribuir al tributo a Cole Porter 'Red Hot+Blue', donde por primera vez aparecían cajas de ritmo y sintetizadores en un tema de la banda irlandesa. El video correspondiente fue dirigido por el realizador alemán Wim Wenders, una de cuyas películas dio nombre a otro de los temas del álbum, 'Until the end of the world'.


Alrededor de la grabación de 'Achtung Baby' existía una atmósfera de incertidumbre que afectó las vidas personales de los miembros de U2, como fue el caso del guitarrista The Edge, que estaba pasando por un amargo proceso de divorcio.

Esto inspiró algunos de los desgarradores temas de relaciones fracasadas como 'Who's gonna ride your wild horses', 'So cruel' 'Love is blindness', también con reminiscencias de las canciones de desamor de Roy Orbison, Scott Walker y Jacques Brel"No fue el mejor momento en las vidas para ninguno de nosotros y una de las razones de viajar a Berlín fue el intento de alejarnos del mal ambiente doméstico. Teníamos que concentrarnos en redefinir el futuro de la banda apartados de cualquier distracción".

U2 en Berlín
Sin embargo Berlín, tras la reunificación alemana tampoco resultó ser un lugar confortable. La banda llegó a la ciudad alemana el 3 de octubre de 1990, la tarde del mismo día oficial de la reunificación. El momento histórico vivido en directo pretendía ser un motivo de inspiración pero se encontraron con un ambiente depresivo y gris. "Berlín tuvo siempre esa magnífica escena artística underground y siempre fue una ciudad abierta, pero cuando cayó el muro hubo momentos de gran confusión", aseguraba Clayton.

Hansa Studios
El productor Lanois tenía la estrategia de grabar al grupo en grandes mansiones o castillos, ya que estaba convencido de que este detalle añadía una atmósfera especial al sonido de la banda. En Berlín eligieron los estudios Hansa, en los que Bowie e Iggy Pop ya habían registrado anteriormente algunos de sus trabajos, y las grabaciones se llevaron a cabo en un amplio recinto que en su día había servido como salón de baile para los oficiales de las SS.


Para la letra de 'One', Bono se inspiró en las tensiones por las que atravesaba la banda y en su propia relación con su padre. The Edge calificaba el tema como "una amarga, enrevesada y cáustica conversación entre dos personas que han pasado por momentos duros y desagradables".

The Edge
En temas como 'Even better than the real thing' y 'Mysterious ways', The Edge experimentó con varios pedales de efectos consiguiendo riffs muy interesantes. En 'Acrobat' Bono canta sobre hipocresía, flaquezas e incompetencias humanas. Según el biógrafo de la banda, Bill Flanagan, Bono usa en sus letras a la luna como una metáfora de una oscura mujer que intenta seducirle y apartarle de su virtuoso amor ideal, el sol. Es alejado de la vida doméstica tentándolo con una excitante vida nocturna y el cantante se prueba a sí mismo hasta que punto es capaz de llegar antes de retornar a casa. 'Tryin to throw your arms around the world' describe, según él, al personaje tambaleándose borracho camino a su casa.

single 'The fly' (1991)
En Dublín en un ambiente más relajado y, siguiendo el método de Lanois, en una mansión alquilada junto al mar donde hubo que instalar un estudio de grabación improvisado, se terminaron de grabar en febrero de 1991 el resto de las canciones del álbum, 'The fly' el primer single que se publicó un mes antes de la aparición del álbum, 'Ultraviolet (Light my way)' que describe una relación tensa e incómoda y el tema que abre el álbum, 'Zoo station', nombre tomado de una estación del metro berlinés.

Bono 'The fly' en 1992
Fue en estas sesiones donde Bono, criticado por algunos medios por tomarse a sí mismo demasiado en serio, desarrolló un nuevo alter ego con el personaje The Fly que, enfundado en cuero y tras unas gafas oscuras, pretendía ser una parodia de una típica estrella del rock. Con esta caracterización se mostraría el cantante en las consiguientes apariciones públicas del grupo y en la Zoo TV Tour, realizada en 1992 y 93 para promocionar el álbum.

También en el diseño de la portada se pretendía mostrar el cambio de dirección de la banda utilizando una imagen multicolor en contraste con las serias y en su mayoría monocromáticas portadas anteriores, asimismo diseñadas por Steve Averill. Las primeras fotografías que se tomaron en Berlin, la mayoría en blanco y negro, no gustaron a Bono ya que no creía que transmitieran el pretendido cambio de rumbo. Se preparó una nueva sesión en color en Tenerife, aprovechando las fiestas del carnaval y otra en Marruecos.

Finalmente en Dublin se realizó otra sesión en la que tomaron una foto de John Clayton desnudo (en las ediciones americanas sus genitales aparecían bajo una hoja de parra o tapados con una 'x' negra) y otra de una vaca en una granja irlandesa, ambas candidatas para ser la imagen defnitiva de portada. Otra posible opción fue la fotografía del grupo en el interior de un Trabant un modelo de coche típico de la extinta RDA. Finalmente se decidió realizar un montaje con una selección de todas las sesiones, alternando fotos en color y en blanco y negro.
En suma, 'Achtung Baby' fue una de las reinvenciones más satisfactorias llevada a cabo por un grupo de la estatura de U2, gracias a la cual definieron su camino para la nueva década.


3. 'One'


Bono – voz, guitarra
The Edge – guitarra, teclados, voces
Adam Clayton – bajo
Larry Mullen, Jr. – batería, percusión

Brian Eno – teclados adicionales (pistas 3, 9, 12)
Daniel Lanois – guitarra (pistas 1, 3, 9), percusión (pistas 4, 8)
Duchess Nell Catchpole – violin, viola (pista 6)

Producción – Daniel Lanois, Brian Eno, Steve Lillywhite (pistas 2, 5)
Ingenieros – Robbie Adams, Paul Barrett, Flood, Joe O'Herlihy
Mezclas – Flood, Daniel Lanois, Steve Lillywhite, Robbie Adams, Brian Eno, The Edge

El grupo con Daniel Lanois, recibiendo su Grammy en 1993

17 noviembre 2013

LP 'Double Fantasy'


El 17 de noviembre de 1980 se publicó 'Double Fantasy' el séptimo y último álbum publicado en vida de John Lennon. Aunque inicialmente recibido con frialdad y con comentarios que criticaban la excesiva idealización del matrimonio Lennon-Ono, éstas fueron olvidadas tras el asesinato del músico tres semanas más tarde. La tragedia catapultó la relevancia del álbum a nivel mundial convirtiéndolo en superventas y fue 'álbum del año' en la 24ª ceremonia de los Grammy en 1981.

El nacimiento de Sean Ono Lennon el 9 de octubre de 1975, día de su 35 cumpleaños, significó un gran impacto en la vida de John Lennon. Su última entrega discográfica había sido el álbum de versiones de clásicos del R&R en febrero de ese año y decidió abandonar por un tiempo la industria musical para dedicarse en cuerpo y alma a la crianza de su hijo. Mientras Yoko se encargaba de los negocios y finanzas familiares, John ejercía de 'amo de casa' en el apartamento que ambos compartían en el edificio Dakota de Manhattan.

John y Sean en Bermuda
Fue cuando se aproximaba su 40 cumpleaños cuando John decidió que ya era el momento de volver a ser músico. Sean ya casi contaba cinco años y comenzaba a preguntarse a qué se dedicaba su padre además de ser 'papá'. Durante unas vacaciones con Sean en Bermuda, John comenzó a rescatar antiguas maquetas y a componer nuevas canciones. Le cantó algunas por teléfono a Yoko antes de volver a Nueva York y ésta se animó a componer también. Lennon le había manifestado unas semanas antes que la música popular contemporánea, como 'Rock lobster' de los B-52, se asemejaba mucho a las primeras composiciones de Yoko. También fue en Bermuda donde le surgió la idea del nombre del álbum cuando paseando por un parque botánico de la isla se topó con una flor llamada 'Double fantasy'.

John en Hit Factory
El 4 de agosto de 1980 comenzaron las sesiones de grabación en los estudios Hit Factory de Nueva York. "'Double Fantasy' nació como un álbum conceptual de un diálogo entre hombres y mujeres", recuerda Yoko, "Cuando dimos con la idea, John quiso darse mucha prisa en grabarlo, por si otra pareja de músicos tenía una idea similar". El álbum se grabó a toda prisa con producción de Jack Douglas y bajo estricto secreto sin tener firmado contrato discográfico. Yoko lo recuerda como una etapa muy feliz de su relación. "Fueron momentos mágicos y especiales para nosotros. Disfrutamos cada instante".

Una vez Lennon consideró que el álbum tenía la suficiente consistencia para ser publicado, se dio a conocer a los medios que el ex Beatle había vuelto a los estudios de grabación. Todos los sellos importantes aparecieron con ofertas pero la mayoría ponía objeciones a la inclusión de los temas de Yoko en el disco, por lo que se negoció la publicación del álbum con el recién creado sello de David Geffen que firmó el contrato sin oír un solo tema del álbum.

Yoko y David Geffen tras el suceso
'Double Fantasy' debutó en el puesto 25 de las listas Billboard. El primer single que se extrajo, '(Just like) Starting over' comenzó a escalar el Hot100 y la pareja ya se encontraba grabando material nuevo para un nuevo álbum cuando ocurrió lo inesperado. El 8 de diciembre, tres semanas después de la aparición del álbum, un fan obsesivo y perturbado esperaba a Lennon frente al edificio Dakota donde le propinó cinco disparos que acabaron con la vida del músico. El trágico suceso afectó a todo el planeta y naturalmente, afectó a las ventas del álbum, que alcanzó instantáneamente el nº1 en las listas americanas donde permaneció ocho semanas.

video

'Kiss kiss kiss' (Yoko Ono)
'Cleanup time' (Lennon)
'Woman' (Lennon)
'Dear Yoko' (Lennon)

John, Yoko y los músicos de 'Double Fantasy'

John Lennon – voz solista y coros, guitarra rítmica y acústica; piano; arreglos y producción
Yoko Ono – voz solista y coros; arreglos y producción
Jack Douglas – arreglos y producción
Earl Slick – guitarra solista
Hugh McCracken – guitarra solista
Tony Levin – bajo
George Small – teclados
Andy Newmark – batería
Arthur Jenkins – percusión
Ed Walsh – sintetizador Oberheim
Tony Davillo – arreglos de viento
Michelle Simpson, Cassandra Wooten, Cheryl Mason Jacks, Eric Troyer, Benny Cummings Singers, The Kings Temple Choir – coros

16 noviembre 2013

W.C. Handy


El 16 de noviembre de 1873 nació en Muscle Shoals (Alabama) el así llamado 'Padre del Blues', W.C. Handy. Aunque fue uno de los muchos músicos que practicaban este género musical inequívocamente americano, él fue quien lo registró en partituras dándole su forma contemporánea.

También fue un director de orquesta y compositor y su canción 'Memphis blues', publicada en 1912, fue la primera en incluir la palabra 'blues' en el nombre. Muchos historiadores no la consideran un tema del género, pero sí fue de gran influencia para la creación de otras canciones blues, como la histórica 'Crazy blues', considerado el primer tema blues grabado por Mamie Smith en 1920. Otros clásicos de Handy fueron 'St Louis blues', 'Yellow dog blues' y 'Beale street blues'. Además de su autobiografía, Handy escribió varios libros muy interesantes sobre música, el blues y la vida de los músicos negros a principios del siglo XX. Murió en marzo de 1958 de neumonía a los 85 años. Se estima que 25.000 personas asistieron a su funeral y 125.000 más se encontraban en las calles adyacentes para presentar sus respetos.

10 noviembre 2013

single 'Nights in white satin'


El 10 de noviembre de 1967 se publicó en Inglaterra el single 'Nights in white satin', de la banda británica Moody BluesJustin Hayward, miembro de la banda, escribió el tema a los diecinueve años, y tituló la canción inspirándose en unas sábanas de satén que recibió como regalo de una amiga. La letra trata sobre un ansiado amor lejano, lo que llevó a muchos a pensar que la canción estaba dedicada a un amor de juventud no correspondido de Hayward.

'Nights in white satin' no fue una canción muy popular el día de su primer lanzamiento, debido principalmente a los más de siete minutos que duraba el tema en el álbum. La canción se publicó como sencillo con una duración total de cuatro minutos y veintiséis segundos, inferior a la duración en la que aparecía en el LP 'Days of Future Passed'. Para ello, se le despojó de una parte orquestal y los versos poéticos al final del tema en la versión del álbum. Como cara B, el sencillo tenía el tema inédito 'Cities' .

La canción fue relanzada en 1972, tras el éxito que estaban recibiendo en aquella época otras canciones semejantes de larga duración, como 'Hey Jude' (1968) o 'Layla' (1971). En los Estados Unidos alcanzó el número dos en las listas Billboard y el número uno en la lista de Cash Box. Obtuvo un disco de oro por su millón de copias vendidas. También fue número uno en Canadá. El tema fue lanzado asimismo cantado enteramente en español, con el título 'Noches de seda'

La London Festival Orchestra realizó los acompañamientos orquestales de la introducción, la interpretación final del coro, así como la sección del 'lamento final', todas estas partes presentes en la versión original de la canción en el álbum. Los demás sonidos orquestales a lo largo de la canción fueron producidos por el melotrón de Mike Pinder, que vendría a definir el sonido de los Moody Blues a partir de entonces. En 1979, el single se publicó nuevamente y por tercera vez subió a la lista británica de éxitos, ésta vez hasta el puesto número catorce.

08 noviembre 2013

Patti Page


El 8 de noviembre de 1927 nació en Claremore (Oklahoma) la cantante estadounidense Patti Page, una de las vocalistas de música popular más queridas de la postguerra, con unas ventas de discos acreditadas en los años cincuenta que superan los catorce millones de copias. La amplia proliferación de reediciones en CD de su música que surgió en los años noventa, demuestra lo poco merecido del olvido que sufrió esta gran artista tras la aparición del rock and roll.

Nacida Clara Ann Fowler, su padre era ferroviario y a muy temprana edad ayudó a recoger algodón en los campos de Claremore, pero la familia se mudó a Tulsa, donde Clara Ann asistió a la high school y a clases de canto e interpretación. Tras graduarse, pasó un casting en una emisora de música country, donde acabó trabajando para el departamento de publicidad cantando jingles. Cuando una de las vocalistas titulares de la emisora cayó enferma, Clara Fowler tuvo su primera oportunidad y un nombre artístico. Estrenó un programa patrocinado por la empresa de productos lácteos Page, por lo que el programa recibió el título de Meet Patti Page. Emitido a diario por KTUL, llegó a oídos del saxofonista Jack Rael quien se le ofreció para ser su mánager. Jack dedicó su vida a la carrera de Page y ambos repartían beneficios al 50%.

Su primer protagonismo a nivel nacional llegó cuando se trasladó a Chicago. Tras meses de largas giras en las que perdió mucho peso, acabó protagonizando un show radiofónico llamado The Breakfast Club. A partir de aquí comenzó su ascensión al estrellato. Con sólo 20 años firmó un contrato discográfico con el sello Mercury en 1948, dirigido entonces por el legendario productor pop Mitch Miller. No solo era un mago de los recursos técnicos de la época como el overdubbing que permitía a Patti hacerse sus propias segundas voces, también descubrió el potencial pop que encerraban las simples estructuras de las canciones country.

Page, al ser nativa de Oklahoma, creció cantando country por lo que se sintió más que confortable con el material que Miller le entregaba para cantar y su imagen no tardó en afianzarse en todo el país con canciones como 'Confess' (1948) y 'All my love (Bolero)' (1950). Varios de los temas que grabó en aquella época destacaban por estar acompañados por un pequeño combo de jazz en vez de las habituales pequeñas orquestas que se usaban entonces.


Patti realizó su debut en los night clubs de Nueva York a finales del año 1950 y en Navidades de ese año grabó el single (hoy olvidado) 'Boggie woogie Santa Claus'. En su cara B se incluyó el tema 'Tennesse waltz' que fue en definitiva el que provocó que del single se vendieran más de siete millones de copias y fuera reeditado como cara A cuando en Mercury advirtieron la gran demanda del público por la canción.

'Tennessee waltz' había sido grabada originalmente en 1947 por una banda country llamada Pee Wee King and his Golden West Cowboys que significó un hit menor para la banda y para el cantante Cowboy Copas. Page y Rael la conocieron a través de una versión jazz de Erskine Hawkins aunque numerosas personas, entre ellas Jerry Wexler, se jactaron en su día de haber sido quienes mostraron por vez primera el tema a Page. Quienquiera que fuese el responsable, 'Tennessee waltz' encajaba a la perfección con aquello que Page, Rael y Miller andaban buscando, así como su narrativa country simple y sencilla acerca de una joven que pierde a su amor en un baile a manos de su mejor amiga, encajaban con la melancólica voz de contralto de Patti.

Los siguientes años aparecieron más de 500 versiones del tema y la canción permanece como una pieza indeleble de la cultura popular norteamericana. La carrera de Page no volvió a alcanzar cotas tan altas pero se mantuvo como una de las cantantes más populares del país con temas como 'Mockin' bird hill' (1951), 'I went to your wedding' (1953), 'Cross over the bridge' (1954), 'Old cape cod' (1956) y otro millonario en ventas, su versión en 1953 del tema popularizado por los humoristas country Homer and Jethro, 'How much is that doggie in the window?'

con Bing Crosby y Dean Martin
A lo largo de los años cincuenta, Patti era una figura habitual en los shows de variedades en la TV. En 1957 se le ofreció liderar y presentar The Big Record, un programa orientado al rock and roll, por lo que su imagen de chica modosita no casaba con la frenética moda musical y el show no prosperó ni siquiera cuando se le cambió el nombre a The Patty Page Show. En 1962 dejó Mercury y firmó con Columbia, donde terminaron de encasillarla definitivamente en el género country.

Grabó una serie de álbumes a finales de los años setenta y a lo largo de los setenta que lograron cosechar un moderado éxito. En 1981 obtuvo un Top40 en las listas country con 'No aces', un single publicado bajo el sello Nashville's Plantation Records. Muchos preguntaron entonces a Patti donde había estado todo ese tiempo, pero Page no había dejado de trabajar desde los años cincuenta en el circuito de night clubs de Nueva York y Las Vegas. En los ochenta apareció en escena cantando con las orquestas sinfónicas de Cincinnati y de México D.F.

En 1998 publicó su primer álbum en directo, 'Live at Carnegie Hall: The 50th Anniversary Concert' por el que recibió un Grammy. A pesar de su larga y prolífica carrera fue este el único gramófono dorado de su trayectoria profesional. Page continuó cantando y realizando giras hasta el mes de septiembre de 2012, fecha en la que anunció su retirada de los escenarios debido a su precaria salud. Murió el día de Año Nuevo de 2013 a los 85 años.

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