04 abril 2012

Muddy Waters


El 4 de abril de 1913 nació en Rolling Fork (Mississippi) el guitarrista y cantante de blues McKinley Morganfield, más conocido como Muddy Waters. Electrificando los sonidos del blues rural de su niñez ayudó al nacimiento del Blues de Chicago y sus canciones influyeron notablemente en la explosión del blues británico de los años 60. Grupos como los Rolling Stones (que adoptan su nombre inspirándose en una de sus canciones), Led Zeppelin o Cream no habrían existido sin él.

Plantación de algodón en Clarksdale
Muddy se crió rodeado de campos de algodón en Mississippi y, aunque su padre tocaba la guitarra, no tuvo la oportunidad de aprender de él. Tras la muerte temprana de su madre fue enviado junto a su abuela en Clarksdale. Su afición a jugar de pequeño en el barro seguramente le trajo el apodo de 'Muddy', al que él años más tarde añadiría Water, y luego Waters. Dejó la escuela muy pronto y con 13 años ya dominaba la armónica. Su abuela había comprado un fonógrafo y solo tenía algunos discos de canciones religiosas. Muddy, con los pocos ahorros que tenía de cargar sacos de algodón desde los 8 años y demás actividades de ayuda a los que faenaban en los campos, se fue comprando algunos discos de Blind Lemon Jefferson, Barbecue Bob, Blind Blake, el '44 Blues' de Roosevelt Sykes o el 'Vicksburg Blues' de Little Brother Montgomery.

Son House
Tocaba con un amigo guitarrista en las fiestas a cambio de comida y propinas. Pero en el Delta del Mississippi, Muddy estaba rodeado de guitarras y guitarristas como Charley Patton y Son House, quienes inspiraron a Waters a decidirse por el instrumento de seis cuerdas.  “Escuchar a Son House deslizar el bottleneck en su dedo sobre las cuerdas era tan bestial como un golpe en la cabeza. Mis ojos se iluminaron como un árbol de Navidad”. Tres años después compró su primera guitarra.

Aprendió con rapidez y pronto se encontraba actuando en celebraciones locales. En 1932, cuando contrajo por primera vez matrimonio con Mabel Berry, es bien conocida la anécdota de que tocó durante la celebración y cómo, de lo salvaje del evento, se hundió el suelo de la cabaña donde se realizaba el festejo. En mayo de 1935 tenía 22 años y tuvo su primer hijo con Leola Spain, una mujer que le seguiría a Chicago y fue la única amiga que conservó durante toda su vida, a pesar de casarse con otras mujeres.

Alan Lomax
Al principio de los años cuarenta se unió a un grupo liderado por el cantante Big Joe Williams y el verano de 1941 el destino le llevó a conocer a Alan Lomax y John Work, dos estudiosos del folklore que provenían de la Biblioteca del Congreso que se encontraban en Clarksdale en busca del legendario guitarrista de blues Robert Johnson. Pero Johnson había muerto asesinado tres años antes y bajo recomendación de Son House no tardaron en descubrir a un aparcero de 26 años bien parecido y con cierto aire oriental que tocaba con un estilo increíblemente parecido al de Robert Johnson y que, a todas luces, se había inspirado directamente en sus discos. En aquella ocasión Muddy grabó 'I be's troubled' y 'Country blues'.

Los temas causaron en los folkloristas la suficiente impresión como para volver dos años después a seguir grabando temas de Muddy. Éste recordaba para Rolling Stone: "Trajeron todos sus aparatos y me grabaron en mi propia casa. Cuando reprodujeron el primer tema que se grabó, ahí estaba yo sonando como en un disco. No te puedes imaginar lo que sentí cuando oí aquella voz y me di cuenta que era la mía. Unos días después recibí dos copias del disco impreso y un cheque por $28 y lo primero que hice fue poner el disco en un juke-box y escucharlo una y otra vez, mientras me decía 'puedo hacerlo, puedo hacerlo..."



Estas primeras experiencias de grabación le confirieron una gran confianza que, unida a su ambición le permitieron destacar en su región, donde por un tiempo regentó un 'juke joint', donde se jugaba, apostaba y en el que actuaba regularmente. En 1942 volvió a casarse pero harto y cansado de trabajar en la plantación por poco dinero, una calurosa tarde de mayo de 1943 se encaminó, solitario, a la estación de tren de Clarksdale y partió rumbo a Chicago cargado solo con un traje y una guitarra Silvertone.

Allí se adaptó rápidamente encontrando con facilidad apartamento y trabajo en una fábrica de papel. Big Bill Broonzy, veterano de la escena musical de Chicago, introdujo a Muddy en los círculos adecuados y poco después Waters ya estaba tocando con el guitarrista Jimmy Rogers en las fiestas privadas de la zona sur de la ciudad. En 1945 su tío le proporcionó su primera guitarra eléctrica, con la que podía hacerse oír por encima de los murmullos y el ruido de la gente. Un año después realizó algunas sesiones de grabación en Columbia para Mayo Williams, que no fueron publicadas en su día. Asimismo acompañó en 1947 al pianista Sunnyland Slim en una grabación para Aristocrat Records (posteriormente Chess Records), un nuevo sello regentado por los hermanos Leonard y Phil Chess.

La leyenda cuenta que Muddy, que en aquellos días trabajaba como camionero repartidor, pidió permiso a su jefe para tomarse el resto del día libre con la falsa excusa de que había recibido la noticia de que su hermano había sido hallado muerto a tiros en una cuneta. Esa tarde se grabaron los temas 'Gypsy woman' y 'Little Anna Mae', que también fueron aparcados. A Leonard Chess no le gustaba ese sonido crudo del delta del Mississippi: "No entiendo una palabra de lo que canta", le comentaba a su socia Evelyn Aron, que sin embargo veía algo en él e insistía en publicar a Waters.

Little Walter
En 1948 aparecieron 'I can't be satisfied' y 'I feel like going home', los cuales llegaron a ser grandes hits locales y afianzaron su fama en el circuito local de clubs. Poco después, Jimmy Rogers, Leroy Foster, Muddy y un jovencito de apenas 18 años llamado Marion Walter Jacobs se labraron la leyenda de los 'Headhunters', iban a otros clubs y retaban a un duelo musical a las bandas que tocaban, a ver quién era más duro y sonaba más fuerte. Es fácil suponer quien se llevaba el gato al agua. Sin lugar a dudas, la banda de Muddy Waters era la mejor banda de blues eléctrico en los años 50. Aprovechando el éxito que estaban teniendo realizaron una gira por el sur, y durante varias semanas estuvieron tocando diariamente en la emisora KFFA.

El inesperado éxito de 'I can't be satisfied' hizo reconsiderar a Leonard Chess su opinión sobre la música de Waters y organizó nuevas sesiones en las que se acompañó del bajista Big Crawford y grabaron una serie de clásicos como 'You're gonna miss me', 'Little Geneva' y 'Rollin' Stone'. En 1950 Aristocrat Records cambió de nombre y como Chess Records, aparecieron más temas que iniciaban la nueva corriente de country blues, como 'Louisiana blues', 'Early Morning Blues', 'Sad letter blues' y 'Long distance call'. En éstos temas la armónica ya la tocó Little Walter, a quien Leonard Chess no había dejado hasta entonces participar en las sesiones de Muddy.

La banda de Muddy Waters en 1950. Otis Spann al piano y Jimmy Rogers (dcha) a la guitarra

En 1953 'Hoochie coochie man', compuesta por Willie Dixon, vendió 4.000 copias la primera semana, permaneciendo unas cuantas más en el Top 10 de las listas de R&B, y fue la segunda sesión de Waters en que tocó Otis Spann. Con su inclusión, vio cumplido su sueño de una big band de blues enraizada en los sonidos del Delta. Dos guitarras, piano, armónica y sección rítmica. 'I just want make love to you' también alcanzaría las listas permaneciendo más de 3 meses entre los 10 más vendidos.

Con Willie Dixon y Buddy Guy
1954 vió como las ventas de discos descendían dramáticamente como consecuencia de la crisis económica, la competencia de la televisión a la radio y el nacimiento de un nuevo estilo, el Rock ‘n’ Roll. Aún consiguió cierto éxito con 'Mannish boy' en 1956 y 'She’s nineteen years old' en 1958, pero nunca a los niveles anteriores. Muddy recomendó a Chess que ficharan a Chuck Berry y Bo Diddley porque ya empezó a darse cuenta que las jóvenes generaciones de negros abandonaban el blues.

Muddy Waters y Little Walter en 1959
En 1958 realizó un tour por el Reino Unido junto a Otis Spann. El público esperaba oir algo folk en la línea de Big Bill Broonzy y quedó completamente conmocionado del volumen de club de Chicago que empleó Waters. Esta gira significó una inversión de futuro para el desarrollo y reconocimiento del blues en Europa ya que a raíz de estos conciertos se gestaron bandas como The Animals con Eric Burdon y John Steel, Blues Incorporated de Alexis Corner, Eric Clapton pensó que podía aprender a tocar la guitarra al escuchar 'Honey bee' y además fue el caldo de cultivo para la formación de The Rolling Stones. Su actuación en el Festival de Folk de Newport en 1960 tuvo un fuerte impacto en una nueva generación de jóvenes seguidores blancos, mientras Muddy veía con tristeza cómo su propia gente, los negros daban la espalda al blues.


A mediados de los sesenta, su figura, promocionada por los grupos que forman parte de la 'Invasión Británica', adquiere proporciones míticas. Chess reedita y rescata todas sus grabaciones de los años cincuenta y en 1968 graba, junto a Bo Diddley y Howlin' Wolf, el disco 'The Super Blues Band'.

En 1971 en un intento de acercar la música de Waters al mundo hippie, idea que surgió de Paul Butterfield y el productor Norman Dayron, se publica el doble LP 'Fathers and Sons', en el que, tras un par de experimentos fallidos producidos por el hijo de Leonard Chess, Marshall, en los que se intentó una fusión de jazz blues sicodélico ('Electric Mud' y 'After the Rain'), vuelve a sus raíces blues de siempre.

En 1972 vuelve a Inglaterra para grabar 'The London Muddy Waters Sessions' con Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech y Mitch Mitchell, pero la experiencia no resulta satisfactoria. "Estos chicos son músicos extraordinarios que podrían tocar con cualquiera, pero este no es mi sonido. Y si cambias el sonido cambias al hombre entero". En 1976, es una de las grandes estrellas del concierto de despedida de The Band, donde interpreta 'Mannish boy' acompañado por Paul Butterfiled a la armónica. Este había creado años antes una de las primeras bandas de blues integradas por blancos y negros.

James Cotton, Johnny Winter y Waters
En 1977 su carrera pareció despuntar de nuevo cuando Johnny Winter se convirtió en su manager y convenció a su sello Blue Sky para firmar un contrato con Waters. Realizó giras junto a él y Winter le produjo cuatro álbumes que rememoraban su sonido de veinte años atrás: 'Hard Again' (1977), 'I'm Ready' (1978), ambos ganadores de un Grammy, el directo 'Muddy Mississippi Waters' (1979) y 'King Bee' (1981), su última publicación.

Cuando Waters murió repentinamente de un ataque al corazón el 30 de abril de 1983, una era del blues se cerró para siempre. B.B.King dijo después de conocer la noticia: “Pasarán muchos años antes de que la mayoría de la gente se dé cuenta de lo mucho que contribuyó Muddy a la música americana.”

Gary Moore


El 4 de abril de 1952 nació en Belfast (Irlanda del Norte) el guitarrista Gary Moore, uno de los músicos de blues y rock más infravalorados de la música popular. Mientras que en Europa su obra en solitario logró un amplio y fiel seguimiento, en el continente americano sigue siendo un músico desconocido para la gran mayoría...

El interés de Gary por la guitarra nace a los ocho años cuando intenta sacarle sonidos a una vieja guitarra acústica que aprende a tocar, a pesar de ser zurdo, como un diestro. Con catorce años consigue su primera guitarra eléctrica e, inspirado en artistas como los Shadows, Albert King y los Beatles comienza a dominar el instrumento. Más tarde, el paso por su ciudad de músicos como Jimi Hendrix y los Bluesbreakers de John Mayall llevan a Gary a desarrollar un sonido blues rock.

Skid Row (1968)
En 1968, con 16 años, Gary se traslada a Dublín para unirse al grupo Skid Row en el que militaba como cantante solista Phil Lynott. Coinciden en un concierto con la banda Fleetwood Mac y su guitarrista Peter Green, el cual, impresionado con el sonido de Moore, les consigue un contrato en su propio sello discográfico, CBS. A pesar de publicar un par de álbums ('Skid' y '34 Hours') Skid Row pasa sin pena ni gloria y Gary abandona la formación para fundar la Gary Moore Band y publicar -con escaso éxito- su primer trabajo en solitario, 'Grinding Stone' (1973).

Hiseman, Starrs, Airey, Moore y Murray
Un año después se unió a la banda de Phil Lynott, el cual, tras dejar Skid Row, había formado Thin Lizzy. Su estancia en el grupo fue breve y, en 1975 fundó junto con Jon Hiseman (batería), Don Airey (teclados), Neil Murray (bajo) y Mike Starrs (voz), la banda jazz-rock Colosseum II que, tras publicar tres álbumes y realizar numerosos conciertos se disuelve en 1978, año en el que Gary graba su segundo álbum 'Back on the Streets' en el que participa Phil Lynott al bajo y voces y que contenía el tema 'Parisienne walkways', un top10 sorpresa en las listas británicas.


Gary con Thin Lizzy
Moore vuelve esporádicamente con Thin Lizzy y participa en la grabación del álbum 'Black Rose' (1979), pero tras una discusión en plena gira estadounidense con su amigo Lynott, deja de nuevo la banda y forma G-Force con los que únicamente grabaría un álbum homónimo en 1980.

'Wild Frontier' (1987)
Posteriormente colaboró con Greg Lake y Cozy Powell y comenzó a tomarse con mayor seriedad su carrera en solitario. En la década de los ochenta publicó sólidos trabajos de hard rock como 'Corridors of Power' (1982), 'Victims of the Future' (1983), 'Dirty Fingers' (1984), el directo 'We Want Moore!''Run For Cover' (1985), 'Wild Frontier' (1987) y 'After the War' (1989), con los que afianzó su base de fans en Europa a pesar de seguir siendo un desconocido en Estados Unidos.

Harrison y Moore
Esos años tuvo la oportunidad de reconciliarse con Lynott y colaborar de nuevo con él, antes de su muerte en 1986. En los noventa, agobiado por la necesidad de producir temas comerciales y cansado del rumbo heavy metal que llevaba su música, volvió a sus raíces blues y grabó el magnífico 'Still Got the Blues', uno de sus mejores trabajos y a la vez, el más vendido. Contó para él con colaboraciones de Albert King, Albert Collins y George Harrison.


Continuó con 'After Hours' (1992) y 'Blues Alive' (1993), antes de formar el efímero supertrío BBM junto con Jack Bruce y Ginger Baker que sólo publicó un álbum: 'Around the Next Dream' (1994).

En 1995 grabó un álbum tributo a una de sus mayores influencias, el guitarrista Peter Green, 'Blues for Greeny', en el que empleó la Gibson LesPaul de 1959 que Green le cedió cuando abandonó Fleetwood Mac. Experimentó de nuevo con otros estilos musicales en los álbumes 'Dark Days in Paradise' (1997) y 'A Different Beat' (1999), para de nuevo volver al blues en el nuevo milenio con 'Back to the Blues' (2001).

'Close As You Get' (2007)
También en formato trío publica en 2002 'Scars' con el bajista Cass Lewis (ex-Skunk Anansie) y el baterista Darrin Moone (ex-Primal Scream) que incluye temas rock cuyo sonido hace pensar en cómo sonarían Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan en el siglo XXI. Gary siguió grabando excelentes álbumes como 'Power of the Blues' (2004), 'Old New Ballads Blues' (2006), 'Close as You Get' (2007) y 'Bad for You Baby' (2008).

Moore era uno de los músicos habituales en el Festival de Jazz de Montreaux desde 1990, y en junio de 2009 se publicó un estuche conteniendo cinco CDs con 60 temas de sus diversas actuaciones en el Festival. En julio de 2010, Gary volvió a Montreaux y su concierto fue grabado y filmado, siendo el último testimonio audiovisual que nos dejó, ya que falleció a los 58 años de un ataque al corazón producido por un exceso de alcohol en febrero de 2011, siete meses antes de la publicación del DVD.


Elmer Bernstein


El 4 de abril de 1922 nació en la ciudad de Nueva York el compositor y director de orquesta Elmer Bernstein, uno de los más influyentes y prolíficos compositores de bandas sonoras, creador de algunas de las más memorables partituras para el cine de todos los tiempos. Es difícil imaginar películas como 'Los siete magníficos' (1960) o 'Matar un ruiseñor' (1962) sin las páginas musicales que Bernstein escribió para ellas. Irónicamente su única banda sonora que llegó a ganar un Oscar fue la que compuso para 'Millie una chica moderna' (1967) que ni de lejos se puede considerar su obra más innovadora o memorable. En el medio siglo que Bernstein estuvo componiendo música para el cine y la TV, fue autor de más de 200 obras.

Su padre, Edward, era profesor de instituto y había emigrado del Imperio austro-húngaro, mientras que su madre, Selma Feinstein, había llegado a los Estados Unidos procedente de Ucrania. Ambos valoraban las artes por lo que Elmer creció en un ambiente adecuado para desarrollar sus talentos artísticos que en primer lugar se concentraron en el dibujo y la pintura ganando varios concursos infantiles. También hizo sus pinitos en el teatro y la danza, pero cuando cumplió los doce años tuvo claro que quería ser músico.

Asistió al King Coit Drama School for Children entre 1932 y 1935 y comenzó sus estudios de piano con Henrietta Michelson en la Juilliard School of Music. Ésta, impresionada con las dotes del joven pianista se lo presenta al famoso compositor Aaron Coplnad, quien le organiza unas clases de composición con Israel Citkowitz. Bernstein se gradúa en 1939 en la New York City's Walden School y se embarca en una carrera como concertista de piano, al mismo tiempo que asiste a clases en la Universidad de Nueva York entre otoño de 1939 y la primavera de 1942.

El año siguiente, con la II Guerra Mundial en pleno auge, Bernstein se alista en las fuerzas aéreas donde tiene la ocasión de ejercitar sus conocimientos de composición, arreglando canciones folclóricas y tradicionales americanas y escribiendo música para producciones dramáticas de la emisora de radio de las Fuerzas Aéreas. También trabaja como arreglista de la banda militar de Glenn Miller. Tras dejar el ejército, volvió brevemente a su carrera de pianista, pero en 1949 le pidieron un par de composiciones para sendos shows radiofónicos patrocinados por Naciones Unidas. Este trabajo llamó la atención de Sidney Buchman, vicepresidente de Columbia Pictures, quien contrató a Elmer Bernstein para que escribiera sus primeras bandas sonoras para el cine 'El ídolo' (1950) y 'Boots Malone' (1951).

En 1952 su nombre fue más conocido gracias a su música para el film 'Sudden Fear', protagonizado por Joan Crawford y Jack Palance. De ideas izquierdistas, tuvo que permanecer en un segundo plano la primera mitad de la década, debido a la caza de brujas promovida por el senador McCarthy cuando perseguía a los sospechosos de ser comunistas del mundo de Hollywood. Durante esos años compuso la música films serie B como 'Cat woman of the moon'  y 'Robot Monster' (1953).



Fue Cecil B. DeMille quien trajo a Bernstein de nuevo al primer plano cuando lo contrató para escribir la partitura de la música para su épico film 'Los diez mandamientos' (1956), un trabajo que le tomó más de un año.

Durante el proceso Otto Preminger le encargó la banda sonora de su película 'El hombre del brazo de oro' (1955) y Bernstein propuso como música para la adaptación de la novela de Nelson Algren una banda sonora íntegramente compuesta por música de jazz, algo inédito hasta entonces. Contrató a Shorty Rogrs para formar una big band con Shelly Manne a la batería. El resultado fue electrificante, acompañando la música perfectamente los sentimientos del torturado protagonista, un batería de jazz heroinómano, protagonizado por Frank Sinatra.

El éxito de esta banda sonora provocó que se le encargaran más obras basadas en el jazz y así surgieron 'El precio del éxito' (1957) y 'Walk on the wild side' (1962). De diferente factura fue su trabajo para 'Matar un ruiseñor' (1962). La música comienza con solo un piano y una flauta mientras aparecen los títulos de crédito. Estos simples arreglos marcarían un antes y un después en las orquestaciones para el cine, que hasta entonces habían sido ricas, ostentosas y pomposas.

Un par de años antes, Bernstein compuso la música para el western 'Los siete magníficos' (1960), creando un tema que fue uno de los primeros instrumentales de Hollywood en convertirse en un hit y más tarde en el soporte musical de una campaña publicitaria de la marca de cigarrillos Marlboro, que duró muchos años.


Además, la asociación de su música con el western y los 'tipos duros', provocó que Bernstein fuera contratado para componer la música de las siete últimas películas de John Wayne, entre ellas 'Valor de ley' (1969) y 'El último pistolero' (1976).

En 1967 Bernstein recibió su único Oscar por la partitura original de 'Millie una chica moderna'. En los años setenta, aunque continuó centrando su trabajo en las bandas sonoras para el cine, comenzó a componer también para la TV en las series 'Owen Marshall' (1971-74), 'Ellery Queen' (1975-76) y 'Capitanes y reyes' (1976)

A finales de los años setenta y durante la década de los ochenta, Bernstein escribió la música de un buen número de comedias como 'Desmadre a la americana', 'Slap Shot' (1978), 'Los Albóndigas' (1979), 'Aeroplano!' (1980), 'Stripes' (1981), 'Trading Places' (1982), 'Cazafantasmas' (1984) y 'Aventuras y desventuras de un yuppie en el campo' (1988). Preocupado por verse encasillado en un sólo género, a finales de los años ochenta rechazó componer la música para la secuela 'Cazafantasmas II' y procuró realizar trabajos para películas menos frívolas.

Uno de su primeros proyectos en ese sentido fue 'Mi pie izquierdo' (1989) y en 1990 compuso la música de 'Los timadores', que marcó otro punto de inflexión en su música, muy diferente en este caso a su estilo habitual. Cuando supo que Scorcese preparaba el remake de 'El cabo del miedo', no tardó en llamar al director para declararse dispuesto a adaptar la partitura original de Herrmann, uno de sus ídolos. Scorcese accedió y repitió con Bernstein en 'La edad de la inocencia' (1993), la 13ª nominación al Oscar del compositor, y en 'Al límite' (1999).

Además de su trabajo para el cine, Bernstein escribió piezas de música clásica, como dos ciclos de canciones, tres suites para orquesta sinfónica, composiciones para cuarteto de cuerda, viola y piano y piano solo. Compuso el Concerto for Guitar and Orchestra con el guitarrista clásico Christopher Parkening, que este grabó con la London Symphony Orchestra, dirigida por el mismo Bernstein. Su último trabajo fue la banda sonora del film de Todd Haynes 'Lejos del cielo' (2002), protagonizada por Juliane Moore y Dennis Quaid. Por ella recibió su 14ª y última nominación a los Oscar y a los Globos de Oro. Murió en agosto de 2004 a los 84 años.