30 abril 2012

Franz Lehár


El 30 de abril de 1870 nació en Komáron (Hungría, hoy Eslovaquia) el compositor y director de orquesta húngaro Franz Lehar quien, junto a Jacques Offenbach y Johann Strauss fue uno de los más notables compositores de operetas y contribuyó en gran medida a renovar el género. Aunque Lehár era húngaro, compuso la mayoría de sus obras en Austria. Su padre componía danzas y marchas y dirigía una banda musical del ejército austrohúngaro. Debido a este empleo, Franz tuvo que viajar junto a su familia por distintas ciudades del imperio. En 1880, el joven Lehár ya tocaba el violín en la orquesta de su tío en Bad Ullersdorf (Moravia). Cuando contaba doce años, fue admitido en el Conservatorio de Praga donde estudió violín con Antonin Bennewitz y teoría con Anton Foerster. Además, allí tuvo la ocasión de conocer a Dvorak, quien le aconsejó que abandonara el violín a favor de la composición.

Franz Lehár
Tras acabar sus estudios musicales se alistó en el ejército e ingresó como violinista en la orquesta de su padre, donde conocería al que más tarde sería su amigo y colega, el también compositor Leo Fall. A los veinte años dejó el violín para dirigir la banda musical del ejército austrohúngaro en la base naval de Pola, en el mar Adriático. Dicho puesto le sirvió para mejorar su técnica en orquestación, ya que tuvo a su disposición una agrupación musical de más de un centenar de miembros. Allí conoció a Felix Falzari, libretista de su primera ópera “Kukuschka”. Lehár confiaba en obtener ingresos económicos gracias a esta ópera y por ello dejó su puesto en el ejército; pero Kukuschka, que se interpretó en Leipzig y Budapest en 1896, no obtuvo el éxito deseado y Lehár tuvo que volver a dirigir una banda militar, esta vez en Viena.

Pauline de Metternich
Su popularidad comenzó cuando, en 1902, compuso el vals “Gold und Silber” (Robert Stolz, dir. & Berliner Symphoniker) para la Princesa Metternich. Este éxito sí le dio la posibilidad de abandonar el ejército y obtener un puesto de director en el Theater an der Wien de la capital austriaca, para el que escribió la opereta “Wiener Frauen” (Mujeres vienesas) también en 1902. Para un teatro de la competencia, el Carltheater, Lehár escribió “Der Rastelbinder” (El calderero), con texto de Victor Léon. Al hacerse pública la noticia, tuvo que dimitir de su puesto en el Theater an der Wien y dedicarse a la composición de manera independiente. Siguió escribiendo obras para la escena como “Der Göttergatte” y “Die Juxheirat", ambas de 1904.


Un año más tarde compuso la opereta que le consagraría como uno de los grandes del género: “Die lustige Witwe” (La Viuda Alegre) (Orquesta Filarmónica de Berlín & dir. Herbert von Karajan), estrenada el 30 de diciembre de ese mismo año en el Theater an der Wien.

Richard Tauber
A partir de ese momento se centró en la composición de operetas, por lo que ya antes del estallido de la Primera Guerra Mundial había escrito “Der Graf von Luxembourg” (El Conde de Luxemburgo), “Zigeunerliebe” y “Eva”. Tras la contienda compuso “Frasquita” (1922), una opereta de aires españoles, y ese mismo año entró en contacto con el tenor Richard Tauber, para el que escribiría posteriormente “Paganini” (1925), “Der Zarewitsch” (1927), “Friederike “(1928), “Das Land des Lächelns” (El País de las Sonrisas) (1929), “Schön ist die Welt” (1931) y “Giuditta” (1934) - "Meine Lippen sie küssen so heiss" (Anna Netrebko &BBC Symphony Orchestra, dir. Jirí Belohlávek).

Lehár en 1934
Durante la década de los años treinta, Lehár compuso música para diversas películas y concluyó su carrera como compositor de operetas con la ya citada "Giuditta", de 1934. Al año siguiente fundó su propia editorial, Glocken Verlag, y readquirió los derechos de todas sus obras salvo de La Viuda Alegre, que permanecieron en la editorial Doblinger. Continuó centrando sus esfuerzos en la industria editorial así como en la revisión de su obra “Zigeunerliebe”, que decidió transformar en la ópera titulada “Garabonciás diák", cuyo estreno tuvo lugar en Budapest en 1943.

Herzmansky, Lehár y Goebbels
Las relaciones de Lehár con el régimen nazi no fueron fáciles. Siempre había usado escritores de procedencia judía para sus libretos y él mismo se movía en los círculos artísticos de Viena, que también contaba con un respetable contingente de judíos. Además, aunque Lehár era católico, su mujer Sophie, había sido judía hasta su conversión por matrimonio, y esto ya era suficiente para generar hostilidades contra su persona y su obra en los sectores más radicales del partido nazi. A Hitler le agradaba la música de Lehár y gracias a la intervención de Goebbels, que concedió a Sophie el título de 'aria de honor', decreció la animadversión hacia él. Aun así hubo por lo menos un intento para deportar a su esposa.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Lehár residió en Viena y en la localidad termal austriaca de Bad Ischl.  Falleció en 1948 en Bad Ischl, (Austria) el 24 de octubre de 1948, donde en la actualidad se celebra regularmente un festival de opereta.


Obra
La obra de Lehár puede dividirse en dos etapas separadas por la Primera Guerra Mundial. Antes de 1914 obtuvo éxitos con su vals “Gold und Silber” y con sus primeras operetas. Sus obras de juventud contienen melodías ligeras y de gran fluidez y en muchas de estas primeras composiciones aparece el vals como danza predominante. Los valses de Lehár son más vaporosos y sutiles que los de compositores de la anterior generación como Johann Strauss El Viejo, y su orquestación es de gran calidad ya que recibió influencias de grandes maestros como Puccini o Dvorak.

En ocasiones dotó a sus obras de aires folclóricos, caso de “Der Zarewitsch”, de ambiente ruso, o “Das Land des Lächelns” (José Carreras, tenor) que posee resonancias chinas. Asimismo, y debido a sus conocimientos de violín, dedicó a ese instrumento numerosos solos que aparecen a lo largo de sus obras escénicas. Pero sin duda fue en “La Viuda Alegre” donde logró desarrollar al máximo sus posibilidades dentro de este primer periodo. En esta obra consiguió como ningún otro compositor de operetas, entrelazar la música con la acción. Al reproche de que sus operetas fueran demasiado cercanas a las óperas, trágicas y sentimentales, él respondió: “No comprendo por qué la finalidad de una opereta deba ser reducir todo lo bonito y sublime a algo ridículo y gracioso. ¡Mi objetivo es refinar la opereta!“

A partir de 1914, Lehár decidió alejarse de los temas ligeros para centrarse en argumentos de mayor profundidad. Así, en su opereta “Eva” nos muestra los problemas de una mujer que trabaja en una fábrica y, años más tarde, en “Friederike”, aborda la vida del escritor Goethe. Fue Richard Tauber quien interpretó el papel del escritor alemán, además de encarnar otros roles escritos expresamente para él por Lehár, quien creó para el tenor austriaco un tipo de canción que adquirió gran popularidad. Se encuentran ejemplos de dichas melodías en "Friederike" (“O Mädchen, mein Mädchen”) o en "Das Land des Lächelns" (“Dein ist mein ganzes Herz”).

En este segundo periodo creativo, la escritura vocal de Lehár se hizo más ambiciosa, y fue en “Giuditta” (1934), su última opereta, en la que Lehár llegó a la cima de su creatividad. La obra está escrita para cantantes de ópera, de voces más poderosas y de tesitura más amplia, por lo que fue interpretada inicialmente por Richard Tauber y Jarmila Novotna. Su estreno en la Staatsoper de Viena fue retransmitido por más de un centenar de emisoras de radio.

Operetas
"Wiener Frauen" (Mujeres vienesas) (1902) (Tonhalle Orchestra of Zurich, dir Franz Lehar)
"Der Rastelbinder" (El calderero) (1902)
"Der Göttergatte" (La boda de los dioses) (1904) Obertura (Staatskappelle Dresden dir Christian Thielemann)

Die lustige Witwe (La viuda alegre), (1905) es una opereta en tres actos con libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L'attaché d'ambassade (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda, y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género. La opereta ha disfrutado de un éxito internacional extraordinario desde su estreno y sigue representándose y grabándose con frecuencia. Entre los pasajes musicales conocidos se encuentra la "canción de Vilia" (Renée Fleming, soprano), "Da geh' ich zu Maxim" (Me encontraréis en el Maxim's) (Christopher Maltman), "Lippen schweigen" (Los labios callan) y el "Vals de la viuda alegre” (Christopher Maltman & Renée Fleming)


"Das Fürstenkind", (El infante) (1909)
"Der Graf von Luxemburg" (El conde de Luxemburgo) (1909) Intermezzo-Ballett (Staatskapelle Dresden & dir. Christian Thielemann)
"Zigeunerliebe" (Amor gitano) (1910) - Dueto (Soprano: Hillevi Martinpelto & Tenor: Zachos Terzakis)

"Eva" (opereta) (1911) (Joan Sutherland, soprano)
"Endlich allein" (Al fin solos) (1914)
"Wo die Lerche singt" (Donde canta la alondra) (1918) (Willi Boskovsky & Wiener Johann Strauss Orchester)
"Die blaue Mazur" (1920)
"Frasquita" (1922)

"Paganini" (1925) -"Liebe, du Himmel auf Erden" (Andre Rieu & Carmen Monarcha).
"Der Zarewitsch", (El zárevich) (1926) (Marino van Wakeren, Tenor).
"Friederike" (1928) "Oh Mädchen, mein Mädchen" (Peter Anders)
"Das Land des Lächelns" (El país de las sonrisas), (1929), Obertura (Franz Lehar, dir. & Orquesta Filarmónia de Viena); Acto II “Dein ist mein Ganzes” (Plácido Domingo)
"Schön ist die Welt" (Bello es el mundo), (1930) (Peter Anders, tenor & Orchester des Südwestfunks Baden-Baden)
"Giuditta", (1934) (Staatskapelle Dresden & dir. Christian Thielemann)

Ballet
Parte de la música de "La Viuda alegre" fue también utilizada en el ballet del mismo nombre, creado y puesto en escena por Sir Robert Helpmann (Ballet Nacional de Canadá) después de ser autorizado por los herederos de Franz Lehár. La orquestación del ballet a partir de la opereta fue arreglada por John Lanchbery y Alan Abbot.

Películas
Se filmaron tres películas sobre La viuda alegre: en 1925 por John Gilbert en el rol de Danilo; en 1934 una versión completamente nueva, por Ernst Lubitsch con nueva música y la actuación de Maurice Chevalier y en 1952, por Curtis Bernhardt, protagonizada por Lana Turner y Fernando Lamas, siendo esta nominada a dos premios Oscar.

Percy Heath


El 30 de abril de 1923 nació en Wilmington (Carolina del Norte) el músico de jazz Percy Heath, conocido, sobre todo, por su labor al contrabajo en el grupo Modern Jazz Quartet desde 1952 hasta 1993. Trabajó también con Miles Davis, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Wes Montgomery y Thelonious Monk.

Percy, Jimmy y Albert Heath
Hermano del saxofonista tenor Jimmy Heath y del baterista Albert Heath, en 1975 Percy formó con ellos y el pianista Stanley Cowell, el grupo Heath Brothers. Grabaron cerca de una decena de álbumes y actualmente, tras la muerte de Percy en abril de 2005 dos días antes de cumplir 82 años,  Albert y Jimmy siguen con la banda.

29 abril 2012

Lonnie Donegan


El 29 de abril de 1931 nació en Glasgow (Escocia) Lonnie Donegan 'el rey del skiffle', tipo de música folk con influencias del jazz y el blues, muy relacionada con las jug-bands. Los instrumentos más utilizados eran la guitarra acústica y el banjo, aunque se incorporaban también instrumentos caseros como peines, kazoos y tablas de lavar. Donegan fue el artista más popular del Reino Unido antes de la aparición de los Beatles y uno de los artistas que más influencia ejerció en los músicos británicos de los años sesenta. Murió víctima de su tercer infarto en noviembre de 2002 a los 71 años.

Tammi Terrell


El 29 de abril de 1945 nació en Philadelphia (Pennsylvania) la cantante estadounidense Tammi Terrell. Aunque su prometedora carrera se vio truncada por su temprana muerte a los 24 años, Tammi grabó algunos de los mayores éxitos del sello Motown en los años sesenta. Como parte junto a Marvin Gaye de uno de los dúos vocales más famosos de la historia, la suya se convirtió en una de las voces más inolvidables de la década. Terrel quizá no poseía el fuerza de otras voces del soul, pero transmitía un sentimiento y una tristeza que marcaron las extraordinarias canciones de amor que grabó.

Nacida como Thomasina Montgomery, fue la primera hija de Jennie, ex-actriz y Thomas, propietario de una peluquería.  Con once años comenzó a cantar en la iglesia y se presentó a varios concursos de talentos en el Earl Theater de Philadelphia. Poco después, con trece, actuaba abriendo shows de artistas como Gary 'US' Bonds y Patti LaBelle & the Blue Belles. Tras oir en 1957 el tema 'Tammy', cantado por Debbie Reynolds, decide adoptar el nombre y, a partir de entonces aparece como Tammy Montgomery. Ya entonces era víctima de migrañas y fuertes dolores de cabeza, pero en su momento no se le dio mayor importancia.

Dos años después es descubierta por el productor Luther Dixon que le firma un contrato con el sello Scepter/Wand, donde realiza su debut con el single 'If you see Bill', en 1961, seguido de 'Voice of experience' en 1962. Cuando James Brown la vio actuar en vivo, la contrató para su sello Try Me, donde Tammi publicó 'I cried' y acompañó a Brown en sus giras. Allí la joven de diecisiete años tuvo una relación con el 'padrino del soul', pero debido a los abusos físicos que sufrió por parte de éste, en 1964 puso fin a su relación personal y profesional con Brown.

Ese mismo año graba 'If I would marry you' para el sello Checker Records. Al mismo tiempo asistió a cursos de preparación de medicina en la Universidad de Pennsylvania. En 1965 estuvo brevemente casada con el campeón de los pesos pesados Ernie Terrell, hermano de Jean Terrell, un futuro miembro del supergupo de la Motown, los Temptations. Algunas fuentes aseguran que no llegó a estar casada con él; simplemente asumió su nombre porque le pareció un nombre artístico conveniente.
A finales del año, Berry Gordy Jr, presidente de Motown Records vio actuar a Tammi en directo junto a Jerry Butler. Gordy la contrató y Terrell debutó en Motown con el tema 'I can't believe you love me' (1966)


Le siguieron temas como 'Come on and see me', 'This old heart of mine (Is weak for you)' y 'Hold me oh my darling', pero ninguno de ellos consiguió llegar a ser un  hit.

Su suerte en este sentido iba a cambiar en 1967 cuando fue elegida para sustituir a Kim Weston como pareja de grabación con Marvin Gaye. Aunque Gaye ya había grabado dúos con Weston y con Mary Wells, la química que surgió entre ambos fue algo que ninguno de ellos había experimentado jamás. Su primer disco juntos, 'Ain't no mountain high enough' fue Top5 en las listas de R&B y alcanzó el Top20 en las listas de pop.

El éxito les siguió sonriendo en 1967 con 'If I could build my whole world around you' y 'Your precious love', que fue Top5. En 1968 se publicaron 'Ain't nothing like the real thing' y 'You're all I need to get by', ambas nº1 en las listas de R&B y Top10 en el Hot100. La magia -más que química- que surgía de ambos cuando cantaban, y el aura de romance que desprendían sus interpretaciones, llevó a muchos a creer que eran amantes en la vida real. Pero esta extraordinaria colaboración creativa y profesional se vio interrumpida debido a que las migrañas y jaquecas de Tammi persistieron.


Canciones con historia: 'The Onion Song'
Hace semanas que Tammi Terrell se queja de dolores de cabeza. Pero el repentino éxito que disfruta junto a su compañero de dúos Marvin Gaye es tan grande, que no le queda un segundo de respiro. La cantante de 22 años aprieta los dientes y logra terminar el show. Hasta que lo de apretar los dientes deja de funcionar y el 14 de octubre de 1967 se derrumba en brazos de Gaye durante un concierto en el Hampton Sydney College de Virginia. Un consiguiente reconocimiento médico descubre el tumor maligno.

La discográfica intenta mantener en secreto su grave enfermedad para no intranquilizar a los fans. Existen poderosas razones económicas para ello. La comunidad soul está ansiosa por adquirir los nuevos trabajos de su pareja vocal de ensueño. Entre operación y operación (sufrió un total de ocho), Tammi consigue grabar nueve temas más con Gaye. Cuando ya no puede más, los técnicos de sonido 'arreglan' viejas grabaciones de Tammi en solitario y añaden la parte de Marvin para 'estrenar' material nuevo del dúo. Pero esta maniobra también tuvo su fin. Cuando en 1969 el matrimonio Ashford y Simpson tenía listas las canciones para un nuevo álbum, a Berry Gordy se le ocurrió una extravagante idea: "Grabemos a Valerie Simpson como si fuera Tammi".

Gaye se negó en principio, pero cuando Gordy le aseguró que los derechos que generara el disco iban a recaer en Tammi y su familia, accedió. Cuando Tammi Terrell murió finalmente el 16 de marzo de 1970 a los 24 años de edad, 'su' último hit, 'The onion song',  no paraba de sonar en todas la emisoras. Un año antes lo había grabado Marvin junto a la compositora y cantante Valerie Simpson, así como otros dos temas que entraron en listas, 'Good lovin' ain't easy to come by' y 'What you gave me'.

Tras su muerte surgieron especulaciones basadas en el testimonio del asistente de Gaye, Elaine Jesmer, cuya novela 'Number One with a Bullet', presenta a un personaje obviamente basado en Tammi, cuyas lesiones cerebrales eran atribuidas a malos tratos provenientes de un ejecutivo de la compañía discográfica o del ex-Temptation David Ruffin. En cualquier caso, la muerte de Tammi afectó profundamente a Marvin Gaye, que dejó de actuar y grabar durante tres años y comenzó a abusar de las drogas. Años después comentó en su biografía 'Divided Soul': "Tammi fue víctima del lado violento del amor, así es como yo lo sentía. No tengo idea de qué la mató realmente, pero tengo la profunda sensación de que ella moría por aquellos que no eran capaz de amar"

'Hair'


El 29 de abril de 1968 se estrenó en el Bitmore Theatre de Broadway el musical 'Hair', dirigido por Tom O'Horgan con coreografia de Julie Arenal, libreto original de James Rado y Gerome Ragni y música de Galt McDermor. Un producto de la contracultura hippy y la revolución sexual de los años sesenta, que produjo varias canciones emblemáticas, como 'Aquarius', 'Let the sunshine in', 'Good morning, starshine' o 'Ain't got no', algunas de ellas usadas como himnos pacifistas contra la guerra de Vietnam.

Tras un pre-estreno en octubre de 1967 fuera del circuito de Broadway y unas representaciones de prueba en una discoteca de Nueva York, el musical se estrenó en el Bitmore Theater de Broadway en abril de 1968 y se mantuvo en cartel durante 1.750 representaciones. Se estrenaron poco después simultáneamente otras producciones de 'Hair' en diferentes ciudades de Estados Unidos y Europa. En Londres se ofrecieron 1.997 representaciones hasta el cierre forzado por el hundimiento del techo del teatro en julio de 1973. La obra desafió muchas de las 'normas' establecidas por la sociedad estadounidense en ese entonces y causó controversia desde su estreno, generando mucha publicidad el final del primer acto, en el que actores y actrices aparecían desnudos en el escenario. Esto se convirtió en una cuestión legal cuando la representación salió de gira por los Estados Unidos, porque el desnudo teatral era aceptable en Nueva York en aquella época, pero era desconocido en otros sitios.

Lo profano del musical, la minuciosa descripción del uso de drogas ilegales, su tratamiento de la sexualidad, su irreverencia para con la bandera estadounidense y el uso de lenguaje obsceno les acarreó a los responsables más de una demanda judicial, llegando el caso hasta el Tribunal Supremo. A pesar de ello, tuvo 1.750 representaciones en Broadway y 1.997 en Londres. 'Hair' rompió moldes en los conceptos del musical, definiendo un nuevo género: el musical o la 'ópera' rock, usando un elenco multirracial e invitando al público a un gran happening final. Entre los muchos nombres conocidos que pertenecieron al cast de 'Hair' en alguna de las más de 5.000 representaciones alrededor del mundo se encuentran: Melba Moore, Diane Keaton, Keith Carradine, Barry McGuire, Marsha Hunt, Donna Summer y Meat Loaf


'Hair' cuenta la historia de la 'tribu', un grupo de melenudos hippies de la Era de Acuario políticamente activo, que viven una vida bohemia en Nueva York y luchan contra el reclutamiento para acudir a la guerra de Vietnam. Claude, su buen amigo Berger, su compañera de piso Sheila y demás, luchan por buscar un equilibrio en sus jóvenes vidas, sus amores y su propia revolución sexual, rebelándose contra una guerra y unos padres inmersos en una sociedad altamente conservadora. Finalmente, Claude ha de decidir entre desertar, como han hecho sus amigos, o sucumbir a las presiones de sus padres y de la conservadora America para ir a servir a Vietnam, comprometiendo sus ideales pacifistas y poniendo en peligro su vida. 

La juventud americana, especialmente aquella que se encontraba en las Universidades comenzó a levantarse contra todas los comportamientos que ellos consideraban equivocados en America: racismo, destrucción del medio ambiente, pobreza, sexismo y represión sexual, violencia doméstica, la deshumanización que suponían las nuevas tecnologías, la corrupción política y, sobre todo, la guerra de Vietnam. Contrariamente al pensamiento general, los hippies sentían un gran respeto por America y estaban convencidos de ser los auténticos patriotas, los únicos que verdaderamente querían salvar los valores del país para volver a hacerlo grande. El pelo largo era su bandera, su símbolo no sólo de rebelión, también de estar abiertos a nuevas posibilidades, así como un rechazo al papel tradicional de los sexos (una filosofía celebrada en el tema 'My conviction'). Simbolizaba la igualdad entre hombres y mujeres. 

Por añadidura, la ropa que elegían para vestirse, también tenía su significado. La ropa vieja y de trabajo era su rechazo al materialismo y consumismo. Los vestidos de otras culturas, particularmente del tercer Mundo y de los nativos norteamericanos, representaban su reconocimiento de la aldea global y su repudio por la autosuficiencia y el imperialismo estadounidense. Los tejidos de algodón, lino, cáñamo y otras sustancias naturales demostraban su rechazo por los productos sintéticos y una vuelta a lo natural y a tiempos menos complicados. Algunos de ellos vestían ropa militar de la guerra civil americana o la segunda guerra mundial, incorporando de ese modo la simbología castrense a su filosofía de no-violencia.

'Hair' no solo rompió moldes en las estructuras de los musicales. Socialmente supuso un gran avance en la libertad de expresión, ya que ante la inmensa popularidad y expectación que generaba la obra, -Kissinger asistió en Washington a una representación, así como la princesa Ana, que fue vista bailando en el escenario en una representación londinense- en muchos países tuvieron que suavizar los límites de censura en los espectáculos dramáticos. Mientras en San Francisco no se sorprendían porque veían en el escenario la extensión de sus vidas reales, en Acapulco (Mexico) la función duró sólo una noche. El gobierno la prohibió considerando que "dañaba la moral de la juventud"

Versión alemana
En Inglaterra, el censor Lord Chamberlain rehusó conceder la licencia para representar la obra en el Reino Unido. El estreno tuvo que aplazarse hasta que el Parlamento británico derogó los poderes censores del Lord, dando así por finalizada la censura en los espectáculos británicos. En Alemania, las autoridades amenazaron con prohibir el estreno si no se eliminaba la escena del desnudo. Un portavoz del musical dijo que muchos de sus familiares también habían entrado desnudos en los campos de Auschwitz. El sentido de culpa todavía estaba muy arraigado en la sociedad alemana y las autoridades cedieron. La obra se estrenó íntegra.

Escena de la película de 1979
En Noruega se intentó -en vano- formar una barricada humana para evitar la representación. La producción francesa, en cambio, no tuvo problemas. La escena de desnudo se representó 'religiosamente' fiel al libreto. Fomentó incluso que fuera algo habitual ver desnudos a partir de entonces en los escenarios de teatro franceses. Desde entonces numerosas producciones de la obra han sido puestas en marcha por escenarios de todo el mundo. La grabación del cast original de Broadway se puso a la venta en verano de 1967 y en un año ya había vendido más de tres millones de copias.

Varias canciones procedentes de la obra alcanzaron el Top10 y en 1979 se rodó la versión cinematográfica, dirigida por Milos Forman, cuyo guión o coincidía exactamente con la obra original. Rado y Ragni expresaron su insatisfacción con el film. Sintieron que Forman había retratado a los hippies como bichos raros y personajes aberrantes, sin conectarlos con el movimiento por la paz, fracasando en el intento de capturar la esencia original de la producción de Broadway. Afirmaron: "Cualquier parecido que pueda existir entre esta película y lo que nosotros estrenamos en 1968, aparte de las canciones, los nombres de los personajes y el título de la obra, no tiene en absoluto nada que ver con nosotros"
En marzo de 2009, 'Hair' se repuso en Broadway, recibiendo estupendas críticas y un premio Tony por 'mejor reestreno de un musical'


Acto 1
Aquarius  – Tribu y solista (Dionne)
Donna – Berger y Tribu
Hashish – Tribu
Sodomy – Woof y Tribu
I'm black/Colored spade – Hud, Woof, Berger, Claude y Tribu
Manchester England – Claude y Tribu
Ain't got no – Woof, Hud, Dionne y Tribu
I believe in love – Sheila y trio
Air – Jeanie, Crissy y Dionne
I got life – Claude y Tribu
Going down – Berger y Tribu
Hair – Claude, Berger y Tribu
My conviction – Margaret Mead (turista)
Easy to be hard – Sheila
Don't put it down – Berger, Woof y miembro de la Tribu
Frank Mills – Crissy
Be-in (Hare Krishna) – Tribu
Where do I go? – Claude y Tribu


Acto 2
Electric Blues – Cuarteto
Black boys – Sexteto (3 hombres, 3 mujeres)
White boys – Tribe Supremes trio
Walking in space – Tribu
Yes, I'm finished/Abie baby – Abraham Lincoln y trio
Good morning starshine – Sheila y Tribu
The bed – Tribu
Aquarius (reprise) – Tribu
Manchester England (reprise) – Claude y Tribu
Eyes look your last – Claude y Tribu
The flesh failures (Let the sunshine in) – Claude, Sheila, Dionne y Tribu
(Versión del cast original de Londres)

George Adams


El 29 de abril de 1940 nació en Cobington (Georgia) el saxofonista tenor George Adams. Comenzó acompañando a grupos de R&B y cantantes soul como Sam Cooke. Trabajó con Roy Haynes, Art Blakey, Charles Mingus, Gil Evans, McCoy Tyner y Archie Shepp y colideró con el pianista Don Pullen uno de los cuartetos más dinámicos de los ochenta.

Con pocos años tuvo sus primeros contactos con el jazz a través de la colección de discos de su hermano y aprendió sus primeros acordes al piano. Con once años aprendió a leer música mientras tocaba el órgano en la iglesia de su comunidad y poco después, se pasó al saxofón. Consiguió sus primeros trabajos a partir de 1956 y adquirió experiencia tocando como sideman de músicos de blues como Howlin' Wolf, Elmore James y Lightnin' Hopkins. Estudió con Wayman Carber en el Clark College de Atlanta y trabajó como flautista y contrabajista. En 1961 acompañó a Sam Cooke en una triunfal gira y al final de la década volvió al jazz trabajando con Roy Haynes (1969-73), Charles Mingus (1973-76), Gil Evans (1975-78) y McCoy Tyner (1976-79).

En los años ochenta colideró con el pianista Don Pullen un memorable cuarteto con el que publicó una decena de álbumes, entre los que destacan 'Dont Lose Control' (1979), 'Life Line' (1981), 'City Gates' y 'Live at the Village Vanguard' (1983). Adams era también un notable flautista y vocalista y solía cantar standards del blues, cambiando a veces la letra por textos propios llenos de ironía. El cuarteto realizó numerosas giras visitando los más afamados festivales de jazz del planeta.

Junto a músicos como James Blood Ulmer y Rashied Alise, Adams también se forjó un nombre en el campo del free-funk y el nu-jazz. Sin embargo, a pesar de todos estos experimentos e incursiones en otros estilo, su música permaneció fuertemente arraigada en el blues y Adams contribuyó a tender puentes entre los sonidos clásicos y los contemporáneos. Su versatilidad como solista quedó sobradamente demostrada en grabaciones como 'Imani's Dance' (1979), 'The Angels of Atlanta' (con Hannibal Marvin Peterson, 1981) y 'Solitude' (1983). Adams murió inesperadamente a los 52 años en noviembre de 1992 tras una intervención quirúrgica.

28 abril 2012

Blossom Dearie


El 28 de abril de 1924 nació en East Durham (New York) la pianista y cantante de jazz Blossom Dearie que, con su sofisticada y exquisita voz de niña, cautivó al público de los años cincuenta. Sin poseer la profesionalidad vocal de Ella Fitzgerald ni el registro de Sarah Vaughn, Dearie le sacó partido a su delicada voz incorporando elementos del cabaret a su estilo, que fortaleció interpretando baladas tomadas del repertorio clásico de los Gershwin y de Rodgers and Hart, así como temas con divertidas letras de autores más desconocidos como Dave Frischberg. Es conocida la costumbre que tenía de incluir en los contratos la cláusula de que no se sirvieran bebidas o comidas durante sus actuaciones. Aunque su talento nunca la hizo rica y famosa, tuvo siempre un nutrido grupo de entregados fans entre los que se encontraban Marlon Brando y Vanessa Redgrave.

Nacida en East Durham, una localidad situada a 30 kilómetros de Albany en las Catskill Mountains, el padre de Blossom procedía de una familia con orígenes irlandeses y escoceses y trabajaba de camarero; su madre, procedente de Oslo (Suecia) había llegado de niña a Estados Unidos. Blossom (Flor) recibió el inusual nombre cuando un vecino les trajo unas ramas de melocotonero en flor, el día que nació. Ya con dos años, Dearie mostró interés por la música sentada sobre el regazo de su madre cuando ésta tocaba el piano. Con tres ya había decidido dedicarse a la música.

Comenzó sus clases de piano con cinco años y con diez se trasladó a casa de un hermanastro en Washington. Allí continuó su formación musical y estudió las composiciones clásicas de Bach y Chopin. Sus progresos impresionaron a sus profesores, quienes recomendaron que siguiera estudiando música clásica en el Peabody Institute de Baltimore. Sin embargo, Blossom volvió a East Durham y abandonó los estudios clásicos. En su estancia en la high school se integró en la banda del instituto. Allí escuchó por primera vez el jazz y Dearie supo al instante que ese era su camino. Estudió la música de Count Basie y Duke Ellington y el estilo de Martha Tilton, cantante de la orquesta de Benny Goodman, una de sus preferidas. Cuando Dearie acabó sus estudios a mediados de los cuarenta, se trasladó a Nueva York donde compartió apartamento con otras chicas. Comenzó a cantar en grupos vocales con diferentes bandas como los Blue Flames de Woody Herman, o los Blue Reyes de Alvino Rey. Allí, Blossom se convirtió en asidua del apartamento de Gil Evans en Manhattan donde conoció a la crema y nata del mundo jazzístico de la gran manzana: Charlie Parker, Woody Herman, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Gerry Mulligan. Continuó afianzando su carrera cantando en night-clubs del Greenwich Village como el Chantilly, entre otros.

En 1952 conoció a Nicole Barclay, una de las cabezas visibles de Barclay Records, quien la animó a viajar a Francia para aprovechar el gran interés que allí suscitaba entonces el jazz americano. Una vez en París se unió a los Blue Stars, un grupo vocal de ocho miembros (cuatro voces masculinas y cuatro femeninas), entre los que se encontraban Bob Dough y la hermana de Michel Legrand, Christiane. Aunque las barreras idiomáticas finalmente llevaron a la disolución del grupo, los Blue Stars consiguieron un hit con su versión en francés de 'Lullaby of Birdland'.

Blossom y Bobby Jaspar
Aparecieron en la TV francesa y recibieron ofertas para actuar en Estados Unidos, pero ante la imposibilidad de algunos para conseguir un pasaporte, Dearie abandonó el grupo. A pesar de todo, la estancia en Paris había sido productiva. Había conocido a la cantante inglesa Annie Ross (más tarde miembro de Lambert, Hendricks & Ross), con la que colaboraría años más tarde. También conoció allí a Norman Granz, propietario de Verve Records, con quien firmó un contrato para grabar seis álbumes para el sello y, no menos importante, conoció a su futuro marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar.

A su vuelta a los Estados Unidos en 1956, Blossom decidió continuar su carrera como cantante y pianista en solitario. Apareció ocasionalmente en el Tonight Show de Jack Paar y trabajó en el club Versailles de Nueva York. Ese mismo año comenzó a grabar para Verve una serie de álbumes ya considerados clásicos. La serie comenzó con 'Blossom Dearie', acompañada por Herb Ellis a la guitarra, Ray Brown al bajo y Jo Jones a la batería, en 1956 y acabó con 'My Gentleman Friend' en 1961, la mayoría con un formato de trio o cuarteto.

Según John Bush de All Music Guide: "Los tres primeros álbumes de Blossom Dearie en Verve ('Blossom Dearie', 'Give Him the Ooh-La-La' y 'Once Upon a Summertime', con Mundell Lowe y Ed Thigpen son tres obras maestras que muestran a una artista con la hablilidad poco común para transformar un conocido standard en un tema completamente nuevo". La selección del material lo realizaba ella misma. "Elegía los temas que me gustaban, siempre con un mínimo de calidad musical. Si la música no era buena, no me interesaba". 


Su fama creció en Estados Unidos a principios de la década de los sesenta gracias a sus abundantes apariciones en TV. Asimismo fue muy conocida a través del uso que de sus canciones se hacía en jingles comerciales, como los que realizó en 1962 para la marca de cerveza Hires Root. La popularidad que generaron los jingles fue tal, que provocó que la empresa produjera el álbum 'Blossom Dearie Sings Rootin' Songs', el cual se podía adquirir por 50 centavos y dos tapones de cerveza Hires Root. En 1963, su marido Bobby Jaspar muere de un ataque al corazón a los 37 años.

Durante los años sesenta sus grabaciones fueron más escasas aunque siguió actuando con regularidad. En 1964 grabó para Capitol Records el álbum 'May I Come In?', acompañada esta vez por una orquesta. A partir del año 1966 comenzó a viajar una vez al año a Londres para actuar en el popular night-club de Ronnie Scott. Publicaría cuatro álbumes en Inglaterra bajo el sello Fontana. Tras un par de años inactiva, en 1970 publica su último álbum para Fontana Records, 'That's Just The Way I Want To Be', que contenía el tema 'Dusty Springfield', una oda a la cantante pop británica co-escrita por Dearie con Norma Tanega.

En 1974 funda su propio sello, Daffodil Records y publica 'Blossom Dearie Sings'. Un año después aparece en el Carnegie Hall en el programa 'Jazz Singers' cantando junto a Anita O'Day y Joe Williams. Ese mismo año co-escribe con su buen amigo Johnny Mercer el tema 'I'm shadowing you' y el letrista compone su última canción en 1976 para ella: 'My New Celebrity is You', contenida en el álbum del mismo nombre. En 1979 aparece en un especial de TV de Toronto junto al vibrafonista canadiense Peter Appleyard.

También en 1979 publica el álbum en vivo 'Needlepoint Magic', que incluye una memorable versión del tema de Billy Strayhorn, 'Lush life' que, como ella misma confiesa en la introducción, es un tema difícil de interpretar y aún más de cantar, que le tomó once años aprender. En 1983 fue merecedora del primer premio concedido por la fundación Mabel Mercer y en 1993 actuó en la Casa Blanca con Shirley Horn, Bobby Short y Mandy Patinkin. Con su habitual sentido del humor Blossom comentó en aquella ocasión: "No sé si Bill (Clinton) tiene previsto tocar el saxo. Si lo hace no tendré más remedio que soportarlo"

Continuó actuando como una de las últimas cantantes de club, sobre todo en Londres y Nueva York, donde se encontraba el grueso de sus fans. David Finkle de la revista Back Stage escribía: "La voz aguda de  niña dulce -inclasificable bajo medidas vocales standard- con la que siempre cantó sus canciones, no envejece. Cuando oyes a Dearie repasar su repertorio, te das cuenta de que suena exactamente igual que a lo largo de sus casi cincuenta años de carrera". En 2006 se retiró y tras una larga enfermedad, murió en febrero de 2009 a los 84 años.