31 enero 2012

Chuck Willis


El 31 de enero de 1928 nació en Atlanta (Georgia) el cantante y compositor de blues y R&B norteamericano Chuck Willis, al que además de 'el rey del stroll', llamaban 'el jeque del blues' por el turbante que lucía en escena.

Descubierto por Zenas Sears, DJ de una emisora de radio de Atlanta en un concurso de jóvenes talentos, Willis firmó un contrato con Columbia Records en 1951, donde grabó su primer single. Pasó a Okeh Records, un sello subsidiario de Columbia, y en 1952 obtuvo su primer Top5 en las listas de R&B con 'My story'. Siguieron otros hits como la versión del tema de Fats Domino 'Going to the river', un prototipo del sonido que le haría popular, 'Don't deceive me' (1953), 'You're still my baby' y 'I feel so bad' (1954), ésta última versionada por Elvis posteriormente usando prácticamente el mismo arreglo.

En 1956 se cambió a Atlantic Records, donde continuó publicando éxitos como 'It's too late', 'Juanita' y 'C.C.Rider', que con su ritmo relajado y sus coros inspiró el 'stroll', baile muy popular en EE.UU en la segunda mitad de los años cincuenta. 'C.C.Rider', una versión de un blues de 12 compases interpretado por Ma Rainey antes de que Chuck naciese, alcanzó el nº1 en las listas de R&B y el 12 en las de pop, provocando numerosas versiones, entre otras las de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Ray Charles, Chuck Berry, Gary Lewis and the Playboys, The Who, The Everly Brothers, Charlie Rich o Janis Joplin.

Le siguió 'Betty and Dupree' (1958), tema en el que Chuck repitió la fórmula 'stroll', consiguiendo repetir en las listas pop con un Top40. Willis, que venía sufriendo de úlcera de estómago durante años, murió en la mesa de operaciones cuando le estaban interviniendo de una peritonitis. Tenía treinta años y su recién publicado single 'What Am I living for?', fue nº1 y Top10 en las lista pop, vendiendo más de un millón de copias.

Mario Lanza


El 31 de enero de 1921 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el actor y cantante tenor norteamericano Mario Lanza, muy popular en los años cuarenta y cincuenta con temas como 'Celeste Aida', 'Be my love' y 'Because you're mine'. Uno de los más grandes cantantes del bel canto de su generación, apareció en numerosas películas de Hollywood, entre ellas 'El gran Caruso' (1951). Murió de un infarto a los 38 años en octubre de 1959.

Atahualpa Yupanqui


El 31 de enero de 1908 nació en Pergamino (Argentina), hijo de madre vasca y padre criollo, el cantautor, guitarrista, poeta y escritor Atahualpa Yupanqui, considerado el más importante músico argentino de folclore.

A causa de su afiliación al Partido Comunista su obra sufrió la censura durante la presidencia de Juan Perón, fue detenido y encarcelado varias veces. Yupanqui recordaba al respecto: "En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo.  Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan." 'Las Coplas del payador perseguido', fueron una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista.

Entre sus canciones más conocidas se pueden citar 'El alazán', 'Le tengo rabia al silencio', 'Viene clareando', 'El arriero', 'Zamba del grillo', 'La añera', 'La pobrecita', 'Milonga del peón de campo', 'Camino del indio', 'Piedra y camino', 'Luna tucumana', 'Los ejes de mi carreta', 'Sin caballo y en Montiel', 'Cachilo dormido', 'Tú que puedes vuélvete' y 'Duerme negrito'. Sus composiciones han sido cantadas por reconocidos intérpretes, como Mercedes Sosa, Pedro Aznar, Los Chalchaleros, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Víctor Jara, Ángel Parra, Jairo, Andrés Calamaro, Divididos, Marie Laforêt, Mikel Laboa o Enrique Bunbury.

Atahualpa se trasladó a Europa en 1949. Édith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación con la que publicó su primer LP en Europa, 'Minero soy', que obtuvo el primer premio de Mejor Disco de la Academia Charles Cros. Posteriormente, viajó extensamente por Europa. En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, desarrollando una especia de humanismo libertario, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Aún así para la derecha siguió siendo "ese viejo comunista"; para los comunistas, un traidor, y para los peronistas, un gorila. En 1967 realizó una gira por España estableciéndose finalmente en París. Volvió periódicamente a la Argentina pero estas visitas se hicieron menos frecuentes cuando la dictadura militar de Jorge Videla llegó al poder en 1976. Yupanqui murió exiliado en París en mayo de 1992 a los 84 años.

Franz Schubert


El 31 de enero de 1797 nació en Lichtental, Viena, el compositor austríaco Franz Schubert, considerado introductor del Romanticismo musical, gran compositor de “lieder”, así como de música para piano, de cámara y orquestal. Se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor los compositores Haydn, Mozart y Beethoven y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música.
El Lied  (breve composición para voz y piano, antecesor de la moderna canción), uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler.

Hijo de un modesto maestro de escuela, Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la capilla imperial de Viena como miembro del coro y alumno del Stadtkonvikt, institución en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.

Tras su salida de este centro en 1813, Schubert, a instancias de su padre, empezó a trabajar como asistente en la escuela de éste, a pesar del poco interés demostrado por el músico hacia la labor pedagógica. En estos años ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied “El rey de los elfos”, inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores favoritos. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito. Fuera del hogar, se refugió en la casa de Franz von Schober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo con sus composiciones y necesitó de la generosidad de amigos, que lo acogían en sus respectivas casas. Schubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte.

El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era el teatro, la ópera, y aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático, nunca consiguió destacar en él. Sus óperas, entre las que merecen citarse “Los amigos de Salamanca”, “Alfonso y Estrella”, “La guerra doméstica” y “Fierabrás”, continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.

Schubertiada
Si Schubert no consiguió sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el “lied”. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta “lieder”, sin que pueda decirse de ellos que la cantidad vaya en detrimento de la calidad. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas con el elocuente nombre de «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones. Los ciclos “La bella molinera” y “Viaje de invierno” "Winterreise" constituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como “El caminante”, “La trucha”, “A la música”, “La muerte y la doncella” o el celebérrimo “Ave María” (María Callas).


A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre el público, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica. “Escribo todo el día” le comentaba a un visitante, “y cuando he acabado con una obra, comienzo otra”.

En medio de su actividad creativa, su salud se fue deteriorando. Luchaba contra la sífilis desde 1822. La enfermedad final tal vez fuera fiebre tifoidea. A pesar de ello, no hubo evidencias suficientes como para hacer un diagnóstico definitivo. Su consolación durante su enfermedad terminal era la lectura, y se convirtió en un fan apasionado de los escritos de James Fenimore Cooper. Schubert murió a los 31 años, el 19 de noviembre de 1828 en el apartamento de su hermano Ferdinand en Viena.

Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar, empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.

Obras destacables:

Sinfonía nº 4: Trágica (1816) (La Scala Phil. & Carlo Maria Giulini)
Sinfonía nº 5 en si bemol mayor (1816) I. Allegro - II. Andante - III. Menuetto - IV. Allegro Vivace  (Orquesta Sinfónica de la radio de Baviera & Director: Colin Davis).
• Lied "Die Forelle", (La trucha) (1817)  (Barítono- Robert Holl, Piano- David Lutz)
• Lied "An die Musik", (A la música) (1817) (Erich Kleiber, Hilde Gueden, Hilde Rossl-Majdan, Suzanne Danco & Vienna Philharmonic Orchestra)

Quinteto para piano en la mayor, "La trucha" (1819) II: Andante
(Mieczyslaw Horszowski, piano & Budapest Quartet)
• “La bella molinera” (1823) "Des Baches Wiegenlied" (Canción de cuna del arroyo) (Christoph Prégardien - Tenor, Andreas Staier – Pianoforte)

• Cuarteto para cuerda, nº 14 en re menor "La muerte y la doncella" (1824), 1/4, 2/4, 3/4, 4/4 (Cuarteto Amadeus)
“Alfonso y Estrella” (1822) (Christian Benda & Prague Sinfonia)
Sinfonía nº 8: Inacabada (también llamada Inconclusa) (1822) (New York Philharmonic Orchestra, dir. Bruno Walter)
“6 Momentos Musicales para piano D 780, op. 94” – Nº 1, 2 y 3 (1824) (Friedrich Gulda, piano)
• Lied "Nacht und Träume" (1825) (Dietrich Fischer-Dieskau, baritono y Gerald Moore, piano)
“Winterreise” (1826) (Thomas Hampson & Wolfgang Sawallisch)
“Impromtu Opus 90 nº 4” (1827) (Rubinstein, piano)
"Trío con piano nº 2", en mi bemol mayor, (1827) (Trío Capuçon)
"El canto del cisne canción Serenade” (1828) D. 957 (Horowitz, piano)
“Fantasía en Fa menor Parte 2” (1828)  (Richter-Britten piano 4 manos)
"Trío con piano nº 2", en mi bemol mayor, Andante (1827) (Trío Capuçon: Frank Braley, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon)


Muchas son las piezas de Schubert que se han utilizado en el cine, desde su célebre Ave María, hasta La muerte y la doncella, Momento musical, Serenade, sus Impromtus o sus Sonatas para piano.

El Trío No. 2 en mi bemol mayor, para piano, violín y violonchelo, que fuera una de sus últimas composiciones, fechada en noviembre de 1827 y publicada poco antes de su muerte fue utilizada en varios filmes, como “Barry Lyndon” (1975), de Stanley Kubrick, que aprovecha al máximo esa cualidad melancólica que aporta el tema principal del segundo movimiento y sigue siendo, a día de hoy, el director que mejor ha utilizado la pieza. Aparece de nuevo, casi una década después, en  “The Hunger”, de Tony Scott, en el momento en el que Miriam (Catherine Deneuve), seduce a John (David Bowie).
En la década siguiente, en 1995, volvemos a escuchar la pieza de Schubert, esta vez en un ambiente nada romántico, resaltando el carácter sensible de los tipos duros de “Crimson Tide” (Marea roja, 1995), también de Tony Scott.

En “La muerte y la doncella” (1995), película de Roman Polanski basada en la obra teatral de 1992 del chileno Ariel Dorfman, la protagonista, Paulina (Sigourney Weaver), enfrentada  a un torturador (Ben Kingsley) que la sometió a terribles vejaciones años atrás durante una etapa de violenta represión política en su país,  recuerda en el film que cuando sufría las torturas, él siempre ponía música para que no se escucharan sus gritos y para crear una determinada atmósfera, un ambiente que confería a las torturas un punto desquiciado de refinamiento. Siempre se trataba de la misma pieza, que desde entonces le había perseguido en todo momento y lugar: El primer movimiento del cuarteto “La muerte y la doncella” (The Alban Berg Quartet), una música hipnótica y de una 'fuerza metafísica arrolladora'.

La película "Retrato de una dama" dirigida por Jane Campion en 1996, y protagonizada por Nicole Kildman y John Malkovich, utiliza en su banda sonora dos “Impromtus” el nº 3 y el nº 4 y, de nuevo, el célebre Cuarteto en re menor II, Andante con moto. En  “La pianiste”,  siendo su protagonista la profesora de piano Erika Kohut (Isabelle Huppert) -especialista en Schubert- era obligado incluir el trío nº 2. Sobre todo cuando la acción se desarrolla en Viena, tan cerca de la ciudad natal del compositor. La propia Huppert se encarga de interpretar la pieza al piano.

“Land of the Blind” (Tierra de sangre, 2006) ) es otro de los títulos que utiliza los melancólicos acordes de Schubert, en un satírico drama político sobre el terrorismo, la revolución y el poder de la memoria. Heroísmo y romanticismo, precisamente las dos cualidades que contrastan en la tonalidad en mi bemol mayor. Arnand Tucker, que ya hiciera gala de su conocimiento musical en la magnífica “Hilary and Jackie”, incorpora la cualidad melancólica del Trío No. 2 en “And When Did You Last See Your Father?” (La última vez que vi a mi padre, 2008), una película en la que un hijo rememora los conflictivos recuerdos que conserva de su moribundo padre. Por último, en “The Mechanic”, un título de acción pura y dura, en el que siguiendo la estela de “Crimson Tide”, Simon West recurre a esta pieza musical para atribuir ternura y sensibilidad a un individuo que se dedica a asesinar por encargo. El contraste que ofrece la romántica pieza de Schubert con la dureza de las acciones y personajes de la película, proporciona una sensación extraña en el espectador cada vez que se escucha en la película el maravilloso Trío en mi bemol mayor.

Alan Lomax


El 31 de enero de 1915 nació en Austin (Texas), el folklorista y etnomusicólogo estadounidense Alan Lomax, uno de los más grandes recopiladores de canciones populares del siglo XX. Sin él nadie hubiese conocido a Muddy Waters.

En 1932, debido a la muerte de su madre, interrumpió sus estudios de Filosofía en Harvard y se unió a su padre en la investigación de las raíces de la música folclórica norteamericana. En 1939 realizó sus primeras grabaciones con Lead Belly y al año siguiente con Woody Guthrie. Visitó granjas, campos de trabajo y prisiones del Sur para recoger in situ las canciones y espirituales que entonaban los trabajadores y prisioneros negros, recogidos, entre otros, en el álbum 'Negro prison songs' (1959)

Lomax en España en 1952
Su curiosidad musical fue más lejos y viajó a Europa donde siguió recogiendo tesimonios sonoros en países como España (a pesar de la oposición del régimen de Franco), Haití, Rumanía, Polinesia, Italia, Irlanda, e India. Lomax pasó 6 meses en España en 1952, registrando con su grabadora gran parte del folclore tradicional de Aragón, Galicia, Euskadi, Andalucía, Asturias, León, Mallorca, Ibiza y Formentera, dando como resultado 14 álbumes para el sello Columbia y una serie radiofónica para la BBC, conteniendo un material de un valor cultural incalculable.

Son grabaciones toscas, sencillas, hechas con un micro y el intérprete cantando a pelo o con un acompañamiento instrumental muy simple, pero que recogen todo un cancionero de raíces ancestrales, una auténtica explosión de cultura popular. Miles Davis adaptó en su álbum 'Sketches of Spain' (1959) las melodías 'Alborada de Vigo' y 'Saeta' que Lomax recogió en sus grabaciones en España. 

Quizás la mayor contribución de Alan a la música popular fue dar a conocer a varios intérpretes de blues y folk como Muddy Waters, LeadBelly, Woody Guthrie, Jerry Roll Morton o Jeannie Robertson con los que realizó numerosas sesiones musicales y entrevistas. También registro estilos musicales casi desconocidos, como los espirituales de Sea Islands. Participó en varios programas de radio y series de televisión, y desempeñó un papel fundamental en el 'folk revival' que tuvo lugar en los años 50 y 60 en Estados Unidos y el Reino Unido. Murió en julio de 2002 a los 87 años.

30 enero 2012

Steve Marriott


El 30 de enero de 1947 nació en East Ham (Londres) el cantante y multiinstrumentista británico Steve Marriott. Fue actor infantil, ídolo musical adolescente con Small Faces (1965-1969) y cantante y guitarrista de Humble Pie (1969-75 y 1980-81)

Steve con Small Faces
En Small Faces compuso junto a Ronnie Lane joyas como 'All or nothing' (1966), 'Itchycoo park', 'Tin soldier' y 'Lazy sunday' (1967). El tandem de autores Marriott-Lane era el más prestigioso del 'swinging London' junto al que formaban Lennon-McCartney. Tras publicar su obra maestra, 'Ogden's Nut Gone Flake' (1968), Steve dejó la banda en pleno concierto de Nochevieja, harto de la incapacidad del grupo para reproducir en vivo sus grabaciones.

Humble Pie
Pudo haber sido el cantante de Led Zeppelin en 1968, pero prefirió seguir haciendo su propia música formando Humble Pie con Peter Frampton (voz y guitarra), Greg Ridley (bajo) y Jerry Shirley (batería). Su single debut, 'Natural born boogie', alcanzó el Top5 británico. Le siguió al álbum 'As Safe as Yesterday Is' y el grabado en vivo 'Performance: Rockin' the Fillmore' (1971), que fue disco de oro. Aunque Frampton dejó la banda para seguir en solitario, el siguiente trabajo, 'Smokin' (1972) fue un éxito internacional, alcanzando el Top10 USA de álbumes.


Posteriores intentos de repetir el éxito fueron en vano y en 1975 Humble Pie se disuelve. Ese mismo año, Steve fue la primera opción de Keith Richards para sustituir a Mick Jones en los Rolling Stones, pero parece ser que Mick Jagger lo vetó, temiendo que le robara protagonismo en escena.

Marriott publica en 1975 su primer álbum en solitario, 'Marriott'. Al año siguiente, tras la disolución de Faces, se produce una reunión de los originales Small Faces, que tras sustituir a Ronnie Lane, víctima de los primeros síntomas de esclerosis múltiple, publican dos álbumes, 'Playmates' (1977) y '78 in the shade' (1978), que resultan decepcionantes, por lo que la banda se separa. A principios de los años ochenta reúne una nueva versión de Humble Pie con el baterista original Jerry Shirley, con la que llega a grabar dos discos, pero tampoco alcanzaron mucho exito.

En sus últimos años, desilusionado de la industria de la música, dio la espalda a las discográficas y se mantuvo en relativa oscuridad, volviendo a sus raíces y dando conciertos en pequeños pubs y clubes de Londres y Essex. Pocos días después de un reencuentro con Frampton, con el que tenía nuevos proyectos para un álbum, murió en abril de 1991 a los 44 años víctima de un incendio (provocado por un cigarillo mal apagado) que destruyó su casa.

Roy Eldridge


El 30 de enero de 1911 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el trompetista de jazz Roy Eldridge, apodado 'Little Jazz' por su corta estatura. Uno de los músicos más innovadores de la era del swing, precursor del bebop y el que hizo de puente en el jazz entre la tradición (Armstrong) y el modernismo (Gillespie), influyendo poderosamente en éste último. Mientras Louis Armstrong permaneció como un símbolo preeminente del jazz en la mentalidad del público de los años treinta, además de inspirar muchos imitadores, aparecían nuevos músicos que podían manejar la trompeta con gran agilidad y destreza. Romperían el cerco que había establecido 'Stachmo' en los años veinte y llevarían la música a nuevos lugares. Nadie consolidó mejor esos avances o fue más espectacular que Roy Eldridge.

Aprendió a tocar la trompeta con su hermano Joe y a partir de 1927 se une a los Dixie Stompers de Horace Henderson y a continuación a las bandas de Zack Whyte y Speed Webb. Absorbió la influencia de los saxofonistas Benny Carter y Coleman Hawkins, e intentó desarrollar un estilo a la trompeta similar al solo de Hawkins en 'The Stampede' (1926). En 1931 llega a Nueva York, donde además de tocar con Cecil Scott, Elmer Snowsen (a quien debe su apodo de 'little jazz'), Charlie Johnson y Teddy Hill, graba y actúa en programas de radio como líder de pequeñas formaciones.

sección de viento de F. Henderson
Entre 1934 y 1935 dirige con su hermano Joe una banda en Pittsburgh que tiene en sus filas a Kenny Clarke. Al año siguiente es en Baltimore donde toca con McKinney's Cotton Pickers y Ted Hill, pero vuelve pronto a Nueva York y entra como cantante y primer trompeta en la banda de Fletcher Henderson, con quien permanece hasta 1937. Unos meses antes, en otoño de 1936 Roy volvió a trabajar con su hermano y juntos fundan un octeto en cuya formación se encuentran John Collins, Teddy Cole y Zutty Singleton.

En una jam con los músicos de A. Shaw
Roy participó en algunas de las primeras jam sessions de Minton's Playhouse. Una cuidadosa escucha de algunos standards del bop, como 'Bebop', revelan cuánto influyó Eldridge en el género. En los años 40, trabaja con Artie Shaw y Gene Krupa. Aunque su influencia en los inicios del bop fue importante, su admisión en el círculo interno de la nueva tendencia estuvo en cierto modo vetada al considerar al estilo de Eldridge pasado de moda, por lo que Roy permaneció en el swing, realizando exitosas giras europeas en el marco de los conciertos Jazz at The Philarmonic.

En Paris fue la sensación y grabó allí magníficas sesiones, como su dúo con Claude Bolling en 'Fireworks', en el que revisitaban la versión de Armstrong-Hines de 1928. De vuelta en Nueva York, acompaña a Ella Fitzgerald y Oscar Peterson y dirige un quinteto con Coleman Hawkins. También participa en combos con Benny Carter y Johnny Hodges.

En 1966 forma parte de la big band de Count Basie. Su ritmo baja durante los años 70, en los que frecuenta locales de club, siendo invitado residente en el Jimmy Ryan's de New York, hasta que, en 1980, una crisis cardíaca pone fin a su actividad regular. Dizzy Gillespie dijo una vez: "Mientras crecía, todo lo que quería tocar era swing. Eldridge era el hombre. Hacía lo imposible por intentar tocar como él, pero nunca lo acabé de conseguir". Roy murió en febrero de 1989 a los 78 años.

29 enero 2012

Derek Bailey


El 29 de enero de 1930 nació en Sheffield el guitarrista avant garde inglés Derek Bailey, que fue una figura clave junto a los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzman del movimiento de 'improvisación libre' (sin reglas previas, secuencias de acordes o melodías establecidas) que surgió en los setenta inspirado por el free jazz.

Procedente de una familia musical (su abuelo y su tío eran músicos) obtuvo sus primeros conocimientos de guitarra de George Wing y John Duarte. Bailey se ganó la vida con las ocupaciones más diversas, en clubes, salas de conciertos y trabajos para la radio o la televisión como guitarrista solista o acompañante, y también en formaciones orquestales. En 1963 formó el Joseph Holbrooke Trio junto con Gavin Bryars (bajo) y Tony Oxley (batería). En el curso de su existencia, la música del trío evolucionó de tocar un jazz relativamente tradicional, con cambios de acordes y un tempo, para más tarde comenzar a explorar con las improvisaciones libres. Rechazando los métodos convencionales de composición, y tomando como principal punto de referencia a Anton Webern, Derek alcanzó resultados sonoros muy similares a los que obtenía la vanguardia europea.


En 1966 Bailey se trasladó a Londres donde formó una serie de asociaciones musicales con, entre otros, el batería John Stevens, el saxofonista Evan Parker, el trompetista Kenny Wheeler y el bajista Dave Holland. Grababan bajo el nombre de Spontaneous Music Ensemble y en ella desarrollaron el tipo de improvisación igualitaria y colectiva que Bailey iba a adoptar desde entonces. Dos años después, Derek se volvió a reunir con Tony Oxley en cuyo sexteto permaneció hasta 1973

En 1970, y en compañía de Oxley y Evan Parker, Bailey fundó Incus Records. Se trataba del primer sello estable independiente dirigido por músicos en el Reino Unido, una marca de prestigio que aún hoy se mantiene en activo. El año 1976 fue el de la fundación de Company, unos talleres de libre improvisación con músicos europeos, africanos, americanos y japoneses que a Bailey le sirvieron para desarrollar algunos de sus conciertos más recordados.

Bailey gozaba de enorme prestigio en los más selectos círculos de improvisación de medio mundo, y muy especialmente en España, un país con el que tuvo mucho vínculo en la última etapa de su vida: desarrolló proyectos con el pianista Agustí Fernández, residió durante varios años en Barcelona, donde mantenía una vivienda en el barrio gótico, y anhelaba retirarse en la costa malagueña. Autor del libro 'Improvisación: Su naturaleza y su práctica' (1980), imprescindible para comprender esta especialidad, y de la serie de documentales para la BBC 'Improvisations', Derek Bailey fue un músico influyente y reverenciado, con un legado discográfico que supera, entre obras en solitario y colaboraciones (John Zorn, Lol Coxhill, Fred Frith, Anthony Braxton...), el centenar de referencias, destacando 'Outcome' (1983), 'No Waiting' (1997), 'Mirakle' (2000) y 'Ballads' (2002). Su extremado radicalismo hizo su música difícil de digerir, pero no existe duda acerca de su influencia en jóvenes guitarristas de la escena free neoyorquina. Su estilo, métodos y estética han impregando a numerosos discípulos, en su gran mayoría desconocidos por el gran público.
Bailey murió en diciembre de 2005 a los 75 años.

Sacha Distel


El 29 de enero de 1933 nació en Paris el cantante francés Sacha Distel, que comenzó su carrera como guitarrista de jazz  y terminó siendo un crooner muy querido en Francia, Alemania y Reino Unido.

Recibió muy joven clases de piano y guitarra y estudió filosofía. Cuando su tío Ray Ventura, fundador de la Original Dixieland Jass Band y uno de los impulsores del swing en Francia en los años treinta, se instaló en París con su banda Les Collégiens, Sacha dejó los estudios, se unió a él y se hizo guitarrista profesional. Poco más tarde formó su propia banda, con la que cosechó premios y honores en Francia. A lo largo de su corta carrera como guitarrista llegó a tocar con Dizzy Gillespie, Louis Armstrong y Tony Bennett y a aparecer en el show de Ed Sullivan.

En los sesenta, ya como crooner, compuso y grabó el tema 'La belle vie', su canción más emblemática. En EE.UU se hizo muy popular la versión inglesa, 'The good life', cantada por Tony Bennett.
En la década de los sesenta presentó un programa de variedades en la televisión francesa y tuvo otros éxitos pop como 'Scoubidou' (1959), 'Mon beau chapeau' (1960) y 'Scandale dons le familie' (1965). En 1970, su versión de 'Raindrops keep fallin' on my head' fue un hit en el Reino Unido y el resto de Europa. Continuó con su carrera y en Francia y en Alemania mantuvo su popularidad durante las décadas de los años ochenta y noventa. Distel murió en julio de 2004 a los 71 años.

Ivo Robic


El 29 de enero de 1923 nació en Croacia el cantante Ivo Robic, que durante los años sesenta obtuvo varios éxitos en Alemania, entre ellos su primera colaboración con Bert Kaempfert, 'Morgen' (1959), que alcanzó el nº 13 en EE.UU y vendió un millón de copias. Ivo grabó más de 100 temas, entre ellos muchos de jazz, y siguió apareciendo en las listas alemanas con canciones como 'Muli-Song' (1960), 'Mit 17 fängt das Leben erst an' (1961), 'Ein ganzes Leben lang' (1962), 'Rot ist der Wein' (1966) y 'Ich zeig' dir den Sonnenschein' (1971). Murió en marzo del 2000 a los 77 años.

James Jamerson


El 29 de enero de 1936 nació en Edisto Island (cerca de Charleston, Carolina del Sur) el bajista norteamericano James Jamerson, miembro de The Funk Brothers, un magnífico grupo de músicos de sesión de Motown Records que acompañó a los artistas del sello en los numerosos hits que obtuvieron entre 1963 y 1967. Jamerson participó tocando con ellos en cerca de 30 números uno, más de los que alcanzaron los Beatles.

Tras el divorcio de sus padres y una infancia infeliz, en 1954 se traslada a Detroit con su madre. Allí asiste a la Northwestern High School donde aprende a tocar el contrabajo y poco después logra una discreta fama como contrabajista en los clubes de la ciudad. En 1959 Berry Gordy, dueño de la discográfica Motown, andaba buscando músicos con talento para trabajar como músicos de sesión en su compañía y contrató a Jamerson. Para entonces James se había pasado al bajo eléctrico (un Fender Precision), que tocaba pulsando las cuerdas sólo con el dedo índice de la mano derecha, siendo en muchos casos el verdadero instrumento solista, todavía hoy estudiado y admirado por miles de bajistas, reconociendo muchos la influencia de James en su estilo con el instrumento, entre otros, John Entwistle, John Paul Jones, Paul McCartney y Jack Bruce.

Jameson engrandeció y amplió el papel del bajo en la música popular, que hasta entonces consistía principalmente en tocar las notas raíz y las quintas, todo ello con pautas repetitivas simples. Como contraste, muchas de las líneas de bajo de Jamerson eran más melódicas, sincopadas y más improvisadas de lo que habían sido hasta entonces. Fue más allá de la línea standard de acompañamiento con el instrumento y en la mayoría de casos creaba un dueto con la voz solista. El característico bajo de Jamerson se puede oir en varios cientos de grabaciones de la Motown, como 'My girl' (Temptations), 'You can’t hurry love' (Supremes), 'For once in my life', 'I was made to love her' (Stevie Wonder), 'I heard it through the grapevine' (Gladys Knight) y 'What’s goin’ on' (Marvin Gaye).

The Funk Brothers
Ni James ni ninguno de los otros Funk Brothers obtuvieron créditos en las grabaciones de Motown o de los artistas que se vieron lanzados a la fama gracias a las grabaciones efectuadas con ellos. Fueron los olvidados, nunca mencionados y mal pagados héroes de Motown Records. Cuando en 1972 Gordy decidió repetinamente cambiar la compañía de Detroit a Los Angeles, dejó tras de sí a los Funk Brothers sin empleo. Algunos de ellos, incluído James, nunca se recuperaron emocionalmente de la falta de reconocimiento que sufrieron en vida.

A mediados de los setenta  trabajó como músico autónomo de sesión en éxitos de música disco como 'Boogie fever' y 'Don’t rock the boat'. Seguía siendo un bajista muy solicitado, pero la aparición de nuevos amplificadores de alta tecnología, además de ponerse de moda otras técnicas bajísticas como el 'slap bass' aceleró su desaparición de la primera línea. Por otro lado, su creciente y nunca controlado alcoholismo terminó afectando sus capacidades musicales. En 1983, su hígado no aguantó más y tuvieron que ingresarlo en un hospital, donde murió de un infarto en agosto de 1983 a los 47 años.